Museu do Cinema

Precisamos Falar Sobre Kevin

2012-01-27T11:25:00.007-02:00

We Need to Talk About Kevin – Lynne Ramsay – 2011 (Cinemas)

Porque eu não entendi o contexto? Eu sou o contexto!

Quando eu comentei que Tilda Swinton não merecia ganhar o Oscar por sua interpretação em Conduta de Risco (2007), quase fui apedrejado. Exageros a parte, Precisamos Falar Sobre Kevin é a prova cabal. Aqui Tilda tem a melhor interpretação de sua carreira, uma espécie de Meryl Streep alternativa.

Travo um debate fervoroso sempre que comentam que o excelente Traffic (2001) não traz nenhuma solução para o combate as drogas. Como não? Ele é a resposta definitiva para enfrentar o problema, é só rever a cena final. Precisamos Falar Sobre Kevin, em minha opinião, contém a resposta para pararmos de criar psicopatas, é só observar a cena final.

A cineasta inglesa Lynne Ramsay constrói ou seria melhor desconstrói a história do casal Eva (Swinton) e Franklin (John C. Reilly). No inicio ficamos sabendo que alguma tragédia aconteceu, e no decorrer do filme vamos “investigando” através de curtos flashbacks. É o segundo filme da diretora, antes veio o pouco visto O Romance de Morvern Callar (2002), mas ela mostra uma competência e segurança que é bom ficarmos de olho nela.

Poesia

2012-01-25T17:16:00.004-02:00

Shi – Lee Chang-dong – 2010 (DVD)

“A poesia é nossa resposta para o que não compreendemos, é nossa forma de buscar alguma beleza quando as coisas ao nosso redor estão feias, complicadas”.

Se o significado de poesia se traduz pela frase acima, dita pelo cineasta sul coreano Lee Chang-dong, o título do filme então é mais do que acertado. Mija (a excelente Jeong-hie Yun), a simpática senhora da foto, recebe o diagnóstico de Alzheimer e a sugestão de escrever poesias para amenizar os efeitos da doença, enquanto tenta escrever poemas – ela sente muitas dificuldades, aparecem problemas com o neto que ela cria.

Poesia é um filme humanista, muitas vezes seco, mas filmado ancorado na realidade dos eventos que acontecem na vida da protagonista. E pensar na dificuldade que o diretor, que foi ministro da cultura do seu país, teve em produzir o filme, levando-o a cogitar desistir da carreira se o filme desse prejuízo.

A Separação

2012-01-19T16:57:00.001-02:00

Jodaeiye Nader az Simin – Asghar Farhadi – 2011 (Amanhã nos melhores cinemas)

Minha única crítica ao filme é quanto a sua teoria simplista para os acontecimentos narrados derivado do pedido de separação do casal Simin (Leila Hatami) e Nader (Peyman Moaadi). Ela quer deixar o Irã, mas o marido desiste porque o pai sofre de Alzheimer. Simin então pede o divórcio, e a filha adolescente do casal, Termeh (Sarina Farhadi – filha do diretor) escolhe ficar com o pai.

A Separação é uma película que tem seu ponto alto nos diálogos, ganhou o Urso de ouro no Festival de Berlim, e venceu o Globo de Ouro de filme estrangeiro, chamando a atenção para o Irã, cuja relação com os Estados Unidos estão estremecidas por suspeitas de fabricação de bombas atômicas e sanções econômicas.

Os cineastas iranianos, que convivem com o pesadelo de serem presos dependendo do conteúdo de suas obras, estão preocupados com essa exposição, já que tudo só é feito a partir da aprovação do Ministério da Cultura e Orientação Islâmica. A Separação sofreu com essa censura quando teve as filmagens interrompidas pelo ministro, devido a um discurso de Asghar Farhadi num festival de cinema sobre a repreensão cultural do país.

Farhadi já demonstrou seu receio não cumprimentando a cantora Madonna na entrega do prêmio da imprensa estrangeira de Hollywood. O Islã proíbe contato entre homens e mulheres que não sejam casados. Agora é aguardar seu comportamento no Oscar.

Melhores 2011

2012-01-07T10:55:00.000-02:00

Enfim chegou o dia de escolhermos os melhores filmes do ano que passou. Um ano sem muitas surpresas é verdade, mas que deixou, a meu ver, um legado sem precedentes para a história do cinema. Dito isso, vamos às escolhas:

Em março Juliette Binoche aportou nos cinemas com o drama criativo Cópia Fiel (2010), uma belíssima história de amor filmada de uma maneira original e inovadora.

Logo em janeiro fomos surpreendidos por mais uma obra-prima dos irmãos Coen. Usufruindo do período mais sensacional de suas carreiras, Bravura Indômita (2010) é um filmão que soube envelhecer, aliás como a maioria dos filmes dos cineastas.

Novembro trouxe um garotinho que só queria ser amado pelo pai, e por isso acabou sendo taxado de problemático, mas não espere lágrimas desse drama. O Garoto da Bicicleta (2011) dos irmãos Dardenne, conquistou Cannes e o mundo, e o Museu também.

Já em dezembro, com o ano já para terminar, eis que surge um dos cineastas favoritos desse blog com um filme que agora é também um dos meus favoritos em sua filmografia, A Pele que Habito (2011) recebeu críticas frias em Cannes, mas bastou chegar ao Brasil para reconhecermos que Pedro Almódovar está cada vez melhor.

E no mês que era do desgosto, agosto, surge um espetáculo, uma oração, uma explicação para o que é o cinema, uma ode à vida, a natureza, ao homem. Em agosto o mundo conheceu A Árvore da Vida (2011), e um cineasta que era recluso até agora (tenho razões para acreditar nisso e que voltarei a falar em breve). É ele o homem do cinema do ano, 2011 é todo dele. O gênio de QI elevado, Terrence Malick.

Menções: Pensei em colocar Cisne Negro (2010), é um ótimo filme, mas que não soube envelhecer, ao contrário de Poesia (2010) que provavelmente irei me arrepender de não encaixá-lo na lista, mas que no momento não significou uma obra tão importante. Veremos em 2012. Feliz ano novo!

A Empregada

2012-01-04T17:29:00.001-02:00

Hanyo – Sang-soo Im – 2010 (DVD)

Certas atitudes, ações de um indivíduo, geram conseqüências essenciais na vida das pessoas mais próximas. A Empregada versa sobre subserviência, ciúme passional e claro ações que desencadeiam reações trágicas.

Eun-yi (Do-yen-Jeo) é contratada como empregada e babá na casa do milionário Hoon (Jung-Jae Lee) e sua esposa grávida, o clima de sedução fica evidente no primeiro encontro de patrão e empregada.

O cineasta sul coreano Sang-soo Im criou um ritmo perfeito e belas imagens para a excelente trama do original Hanyo (1960) do conterrâneo Ki-young Kim. As tomadas demonstram uma segurança impressionante na escolha do posicionamento da câmera, o que resulta num filme que cria intimidade com o espectador.

Selecionado para o Festival de Cannes, a película recebeu estranhas críticas de polêmico e erótico. Claro que o tema em si já contém certa dose de polêmica e erotismo, mas tudo com o intuito de contar-nos uma história que o diretor transformou em um filmão.

Tudo pelo Poder

2011-12-30T02:06:00.000-02:00

Ides of March – George Clooney – 2011 (Cinemas)

Todo mundo sabe que político é tudo igual, todo mundo sabe para que servem as alianças de campanhas, todo mundo já cansou de saber que as promessas são sempre as mesmas, e que elas não passam de promessas. Todo mundo sabe que o que é dito em época eleitoreira não significa nada.

Stephen (Ryan Gosling – que parece estar em 9 de 10 filmes lançados) é o responsável por fazer-nos acreditar em políticos todos os anos eleitorais, mesmo sabendo disso tudo.

Eu não sou cristão, eu não sou ateu. Eu não sou judeu, eu não sou muçulmano. Minha religião, aquilo que eu acredito chama-se Constituição dos Estados Unidos da América.

Só tem um porém, Stephen acredita.

George Clooney quer se transformar no novo Clint Eastwood, ator mediano que trabalhou com grandes cineastas e que às vezes se aventura atrás das câmeras e é sempre seguro. Tudo pelo Poder é seu filme que foi além do seguro. É um filmão baseado num livro sobre os bastidores da política norte-americana do partido democrata. É também uma película de um diretor que começa a mostrar-se um mestre na arte.

A Pele que Habito

2011-12-14T10:56:00.002-02:00

La Piel que Habito – Pedro Almodóvar – 2011 (Cinemas)

EL ARTE ES GARANTIA DE SALUD

Vicente é um jovem espanhol que ajuda sua mãe com as roupas do brechó de sua propriedade. Vicente divide seu tempo entre o trabalho com a mãe, tomar extasy e ir a festas de milionários sem ser convidado, e ainda guarda uma paixão por Cristina, uma funcionária do brechó que é lésbica.

AS COISAS QUE O AMOR DE UM HOMEM LOUCO PODE FAZER

Marca, segundo o dicionário, significa um selo, um carimbo, sinal num objeto que o faz ser reconhecido. A Pele que Habito, adaptação do livro Tarântula de Thierry Jonquet, apesar de não ser um texto original do cineasta, fato raro em sua carreira, contém, em cada frame, a grife que tanto reverenciamos.

Pedro Almodóvar Caballero é um diretor singular. Além de possuir uma caligrafia reconhecida, é dono de um método só seu de contar uma trágica história, e que apesar de trágica, é cheia de arte, amor e beleza, e também, porque não? Humor.

Sem Limites

2011-12-07T17:46:00.002-02:00

Limitless – Neil Burger – 2011 (DVD)

80% dos cérebros que comandam hollywood não funcionam. Os 20% restantes se esforçam para tentar evocar algo que traga de novo os bons tempos. A idéia é criar uma droga que faça com que esses executivos de LA trabalhem com todo cérebro.

A pílula NZT é a solução encontrada.

Contando com atores da nova geração, Bradley Cooper interpretando Eddie Morra, e da velha geração, Robert De Niro interpretando Carl Van Loon, um diretor jovem e de talento promissor – vide O Ilusionista (2006), e um roteiro bem elaborado, e sem falhas, têm-se um grupo certo para testar essa nova droga que promete revolucionar o cinema estadunidense.

A pílula NZT avança através do globo ocular a partir da inserção do disco em seu player. Seus efeitos são perceptíveis a partir de 30 segundos após o início do filme.

A experiência poderá trazer efeitos colaterais tais como: repetição do filme e da acertada trilha sonora, vislumbres de achar um dos melhores filmes do ano, e um período de abstinência voluntária.

O Garoto da Bicicleta

2011-11-30T11:22:00.001-02:00

Le Gamin au Vélo – Jean-Pierre e Luc Dardenne – 2011 (Cinemas)

Punir é mais fácil e rápido que ensinar.

Fugindo de dois homens dentro de um prédio, o garoto da bicicleta chega ofegante a uma enfermaria. A atendente lhe pergunta onde está machucado e se bateu a cabeça, é quando entra os dois homens se apresentando. Eles são conselheiros do orfanato que o garoto fugiu. O menino ainda tenta escapar e num ato de desespero se agarra fortemente a uma paciente.

Cyril, o garoto da bicicleta, só queria uma coisa.

Cyril Catoul (Thomas Doret) procura desesperadamente pelo pai que o colocou no orfanato e lhe disse que iria buscá-lo em uma semana, mas o tempo foi passando e nem sinal dele.

O Garoto da Bicicleta é uma história emocionante, e um maravilhoso e edificante filme. Os irmãos belgas Dardenne evitam a manipulação para arrancar nossas lágrimas, para isso eles centralizam a película na criança mostrando tudo sob sua ótica. Cyril só queria uma coisa.

Um Conto Chinês

2011-11-22T16:12:00.000-02:00

Un Cuento Chino – Sebastian Borentzein – 2011 (Cinemas)

Um belo barco de madeira flutua parado nas calmas e esverdeadas águas de um rio. Dentro dele mais um casal se prepara para fazer o pedido tão comum entre pessoas apaixonadas. Tudo seria perfeito se a garota não fosse terrivelmente atropelada por uma vaca que caiu do céu.

A vida não faz sentido, é um grande absurdo.

Roberto (Ricardo Darin) é dono de uma loja de ferragens no subúrbio de Buenos Aires. É daqueles que contam os parafusos para saber se vieram quantos dizem na embalagem, e tem como hobby colecionar contos absurdos de jornais.

Um Conto Chinês é a prova de que o cinema argentino é alicerçado em boas histórias, roteiros estruturados e fortes, diretores e equipes competentes, e no único ator do país, Darin.

Potiche

2011-10-20T15:16:00.000-02:00

Potiche – François Ozón – 2010 (Cinemas)

Com o lançamento de Potiche, o cineasta francês François Ozón tem agora em sua filmografia todas as décadas de destaque da história do cinema revisitadas. Se eu já havia afirmado que Ozón adora transitar em várias gêneros cinematográficos – Potiche é uma comédia estilizada aos anos 50 – isso também pode ser transportado para épocas diferentes.

Suprimindo sua caligrafia e dando tons do ano a que evoca, o diretor resolveu adaptar uma peça de teatro retocando com feminismo atual. A intenção é clara de mostrar como ainda vivemos num mundo machista, apesar das evidentes evoluções.

Potiche, bibelô, vaso ornamental em francês, é como se sente a Sra. Pujol (Catherine Deneuve), herdeira de uma fábrica de guarda-chuvas (má) administrada pelo marido (Fabrice Luchini).

Parábola do Mês

2011-09-28T16:50:00.003-03:00

Toscanini gravou uma canção 65 vezes. Você sabe o que disse quando ele terminou?

Poderia ser melhor. Pense sobre isso. Seu pai tem 27 patentes. Isto significa propriedade. Propriedade de idéias. Você tem que mantê-los.

Você se constrói pelo que você é. Você tem que controlar seu próprio destino. Você não pode dizer: “Eu não posso”. Você diz: “Estou tendo problemas. Eu não terminei ainda.” Você não pode dizer: “Eu não posso”.

* Extraída do filme A Árvore da Vida (2011) de Terrence Malick, interpretada por Brad Pitt.

Melancolia

2011-08-29T15:47:00.000-03:00

Melancholia – Lars Von Trier – 2011 (Cinemas)

Perdoem-me a redundância, mas Melancolia é um filme melancólico, depressivo e triste, às vezes nauseante. Como obra de arte seu valor é nulo, porém medicamente pode ser útil.

Rodado inteiramente num castelo e campo de golfe, com imagens que primam pela beleza, mas peca pela falta da steadycam – o que resulta em imagens tremidas e nauseantes, Melancolia sofre da síndrome da repetição batida, é a trilha que enjoa na 40ª vez que toca, as imagens belas em super slow motion que cansam, e o roteiro consistente, mas excessivamente longo.

Melancolia é o nome de um planeta que pegou uma trajetória que poderá colidir com a Terra, e parece também ser uma doença que sofre duas irmãs, Justine (Kristen Dust) e Claire (Charlotte Gainsbourgh).

A Árvore da Vida

2011-08-17T16:21:00.000-03:00

The Tree of Life – Terrence Malick – 2011 (Cinemas em 3D)

Onde estavas quando eu lançava os fundamentos da Terra, quando as estrelas da manhã cantaram juntas, e todos os filhos de Deus gritavam de alegria? Jô 38:4,7

A árvore da vida representa o caráter cíclico da evolução. Vida, morte e regeneração. O elemento da árvore que mergulha no solo para fincar raízes enquanto que seus ramos buscam o alto é a representação da relação entre o céu e a terra. Para os egípcios a árvore significava a união entre vida e morte.

Não sei o que lhes dizer sobre A Árvore da Vida, pensei em compará-lo com Avatar, já que se trata do mesmo tema, mostrando a Cameron como se faz um filme sobre a natureza em 3D sendo pessoal e artístico – e sem precisar usar aqueles ridículos óculos de adolescente. Pensei em contar algumas cenas, como a do dinossauro que vê outra espécie caída, mas sai sem fazer nada. E pensei em traduzir a ópera Lacrimosa, de Zbigniew Preisner, um dos pontos emocionantes da película, mas nada disso iria chegar perto do que é a experiência de assistir ao filme de Malick.

Recluso, uma pessoa que não dá entrevistas, muito menos aparece ao público, e que tem longos hiatos na duradoura carreira, são 5 filmes em 38 anos de cinema, Terrence Malick é um cineasta que não quer agradar. Suas películas não tem pretensões, ou então ele mesmo as defenderia, algumas de suas cenas surgem do acaso – como uma mariposa que pousa na mão da protagonista, e suas produções usam e abusam da sugestão, imagens belíssimas e trilha sonora clássica (uma forma de fazer-nos usar o cérebro agradavelmente).

Parábola do Mês

2011-08-01T16:53:00.003-03:00

Quando Benjamim Franklin deixou o salão da independência, logo após o segundo esboço, ele foi parado por uma mulher na rua. A mulher disse: Sr. Franklin, que espécie de governo o senhor nos legou? Franklin disse: Uma república, senhora.

Se puderem mantê-la, a responsabilidade de um país não está nas mãos de uns poucos privilegiados. Nós temos força. Somos livre da tirania na medida em que cada um de nós lembra do seu dever como cidadão. Seja para relatar um buraco no asfalto da sua rua ou mentiras no discurso do Estado da União, denunciem! Façam aquelas perguntas. Exijam a verdade. A democracia não vem sem esforços. Estou aqui para lhe dizer isso. Mas é aqui que moramos. E se fizermos nosso trabalho, é aqui que nossos filhos irão morar. Deus abençoe a América.

* Extraída do filme Jogo do Poder (2010) de Doug Liman, interpretada por Sean Penn. (Disponível em DVD)

Inspirado pela parábola e um e-mail recebido do educador Jorge Portugal, proponho aos leitores passar um e-mail ao senador sergipano Antonio Valadares (antoniocarlosvaladares@senador.gov.br) pedindo que ele dê andamento, como relator, ao projeto de lei que propõe que os detentores de cargo público seja obrigado a matricular seus filhos na rede pública de ensino, afinal a democracia não vem sem esforços!

A Fita Branca

2011-07-08T11:50:00.002-03:00

Das Weisse Band – Michael Haneke – 2009 (DVD)

Nunca tente achar os culpados nos filmes de Michael Haneke, ele já brincou com isso com os delinqüentes de Violência Gratuita (1997), criou um filme com essa procura em Caché (2005), e nos fez culpar um país para mostrar-nos a sociedade que vivemos no ótimo Código Desconhecido (2000). A Fita Branca é apontador – seu subtítulo do original traz o ‘Uma História de Crianças Alemãs’, e o final do filme denuncia o começo da primeira guerra.

Todas as pistas nos levam ao...

Nazismo.

Porém, convém avisar para não se iludir com isso.

A fita branca era amarrada no cabelo ou no braço dos meninos. A cor branca era para lembrá-los sua inocência e pureza. Às vezes o desvirtuador está tão perto que nem percebemos.

Agora, A Fita Branca é uma das grandes obras-prima da humanidade.

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Violência Gratuita U.S

2011-06-14T23:17:00.001-03:00

Funny Games U.S – Michael Haneke – 2000 (DVD)

- Quando Kelvin supera a força da gravidade acontece que um universo é real, mas o outro é ficção.

- Como pode?

- Era uma espécie de modelo de projeção do ciberespaço.

- Ok, e cadê seu herói? Realidade ou ficção?

- Mas a ficção é real não é?

- Como assim?

- Por quê?

- Bem, a gente a vê nos filmes, certo?

- Claro.

- Ela é tão real quanto à realidade que vemos.

Ann, George e Georgie (Naomi Watts, Tim Roth e o pequeno Devon Gearhart) formam a família tradicional do novo século. Imbuídos de passarem um final de semana tranqüilo na casa do lago, eles são surpreendidos pelos jovens Paul e Peter (Michael Pitt e Brady Corbet) e um jogo sádico.

Refilmagem, quadro a quadro, do cult austríaco homônimo de 1997, também dirigido por Haneke, Violência Gratuita é um ensaio sobre a violência. Assemelha-se com Laranja Mecânica (1971) no quesito da violência, do jogo sádico, até nos figurinos, mas ao contrário do clássico de Stanley Kubrick, o filme faz o espectador interagir e o põe dentro da tela.

O diretor alemão usa a metalinguagem para criar seu estudo apontador e provocador. A curiosidade sobre o cinema de Michael Haneke transborda nessa película, assim como vários outros de sua filmografia, esse é mais um exemplar que não sairá de nossas mentes nem tão cedo. O debate principal – a violência de nossa sociedade –, é exposta de uma forma que nos coloca no centro do questionamento. Pois, se usamos a violência como ferramenta para educar, Paul e Peter são dois frutos de nossas metodologias.

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Caché

2011-06-09T16:56:00.001-03:00

Caché – Michael Haneke – 2005 (DVD)

Cachê é um dispositivo de acesso rápido, interno a um sistema, que serve de intermediário entre um operador de um processo e o dispositivo de armazenamento ao qual esse operador recorre. A vantagem principal na utilização dele consiste em evitar o acesso ao dispositivo de armazenamento, que pode ser mais demorado.

No filme homônimo de Michael Haneke, a palavra se refere à imagem, principalmente àquela que buscamos na nossa memória.

Essa explicação, ao contrário do que eu acreditava, nada tem a ver com o filme, porque caché, em bom francês, significa oculto, porém do mesmo jeito que viajei na interpretação, me serve como exemplo para decifrar o filme. A procura da resposta às vezes nos leva a uma caminho, não diria errado, mas indesejado, as vezes baseado em nossa cultura, nossas experiências. Afinal, como já dizia Paul Thomas Anderson, “o passado já era para nós, mas não nós para o passado”.

Vencedor do prêmio do júri ecumênico de melhor filme e de melhor diretor do Festival de Cannes de 2005, Caché é exatamente sobre isso, sobre o que guardamos em nossa memória, e sobre o que fica oculto em nossas lembranças.

O cineasta alemão constrói um processo de insinuações que nos leva a um final menos explicativo e mais crítico. Suas imagens são elaboradas para sugerirem algo que pode ou não ser aquilo sugerido, e as interpretações também funcionam como um jogo de suspense onde ninguém é inocente. É um filme que nos põe a pensar. Haneke mostra uma criatividade no mínimo original no uso dos créditos iniciais.

Várias interpretações pipocam na internet, uma delas é a de que os vídeos seriam mandados por Haneke a seus personagens para criar uma trama. Noutra, eles seriam materializações do inconsciente de Georges. Outra, e essa baseado na cena final, é de que o filho do casal estaria por trás de tudo.

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Caché #1

2011-06-08T16:25:00.001-03:00

Essa imagem acima faz parte de um vídeo enviado ao crítico literário Georges Laurent. O VHS foi cuidadosamente envelopado num papel pardo sem remetente, a única coisa que contém no vídeo é a imagem estática gravada por horas. Essa imagem é a fachada da casa de Georges, onde ele mora com a esposa Anne, e o filho adolescente Pierrot...

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A Professora de Piano

2011-06-03T10:52:00.000-03:00

La Pianiste – Michael Haneke – 2001 (DVD)

- Boa noite, filha.

- Boa noite, mãe.

- Já voltou? Que bom! Não pode ir já para a cama.

- Deixe-me mamãe, por favor, estou cansada.

- Acredito que esteja. O seu último aluno já saiu há umas três horas. Posso saber onde andou esse tempo todo?

- Por favor, mãe.

- Não vai ao quarto antes de me responder!

Sexo e violência são assuntos distintos e opostos. Há quem discorde dessa sentença. Michael Haneke por exemplo. A Professora de Piano é sobre sexo, sobre perversões, mas é sobre violência essencialmente, às vezes física, mas na maioria das vezes, uma violência psíquica.

Erika (Isabelle Huppert) é uma professora de piano de um prestigioso conservatório. Fria, arrogante e boçal, trata os alunos com duras e insensíveis críticas, sua vida pessoal não destoa da profissional. Solteira, ela mora com a mãe que a trata como uma adolescente, vide diálogo acima. Seu desequilíbrio deságua no sexo e é canalizado para as perversões. Walter (Benoît Magimel) é o novo aluno de piano. Talentoso, chama a atenção da professora, e Walter passa a nutrir por Erika sentimentos carnais e românticos.

Haneke costura o tema com frieza e sem pudor, com a característica de seus roteiros, esse baseado no livro do também austríaco Elfriede Jelinek. Os cortes bruscos e as câmeras estáticas fazem muitas vezes que as ações dos atores nos peguem de surpresa. Huppert e Magimel dão show.

A Professora de Piano é uma obra-prima não comercial que necessita de tempo para ser digerida. É um filme obrigatório em qualquer estudo de psicologia que envolva sexo. É também um marco do cinema sobre o tema.

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Código Desconhecido

2011-05-30T16:24:00.000-03:00

Escolinha infantil. Alunos surdos-mudos. Brincadeira de mímica. Medo, ninguém acerta.

Code inconnu: Récit incomplet de divers voyages – Michael Haneke – 2000 (Internet)

Com essa informação pouco esclarecedora, mas que se revelará muito preciosa ao final, o cineasta Michael Haneke nos introduz a um Código Desconhecido, narrativa incompleta de várias viagens, do título original francês. França, aliás, que não está ali como um país qualquer onde a película se passa. O país da igualdade, fraternidade e liberdade de 1789 foi escolhido por atualmente representar a capital da xenofobia contra imigrantes africanos e do Leste Europeu.

Código Desconhecido começou a tomar forma quando a atriz Juliette Binoche escreveu a Haneke mostrando interesse por seus filmes. E ela, interpretando a atriz Anne Laurent, mesmo nome da sua personagem em Caché (2005), é o centro do filme que entrelaça várias histórias com personagens em comum. É a melhor interpretação da sua elogiada e fantástica carreira, a foto que ilustra o post já demonstra isso, é uma situação de pânico ao ver seu filho numa situação perigosa.

Com um excelente roteiro nas mãos, escrito pelo próprio cineasta, e uma atriz acima da média, Michael Haneke abusa dos cortes bruscos e das câmeras estáticas, além claro de criar cenas com a violência crua que somos espectadores diariamente. Numa delas, a mais forte com certeza, a personagem de Binoche leva uma escarrada no rosto de um delinqüente no metrô.

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Violência Gratuita

2011-05-23T16:45:00.001-03:00

Funny Games – Michael Haneke – 1997 (VHS)

Anna vai até a porta de entrada e encontra Paul, que se diz amigo da vizinha, a Sra. Berlinger, e que precisa de 4 ovos para ela. Anna prontamente atende o jovem e quer saber para que precisa de 4 ovos, Paul não faz idéia. Ele usa trajes de golfista, inclusive com luvas brancas. Paul agradece e se dirige a porta, enquanto Anna guarda os restantes dos ovos na geladeira e se espanta com o barulho do estranho saindo, vai até a porta e encontra Paul agachado com os ovos no chão quebrados, visivelmente constrangido. Anna tenta consolar e volta à cozinha. Paul se ergue e dá uma olhada na casa. Anna volta trazendo um pano para limpar.

Depois de feito o serviço retornam a cozinha para jogar fora a sujeira. Paul fica a espera de novos 4 ovos, Anna fica constrangida e tenta inventar uma desculpa de que um desfalque de 8 ovos seria problemático para ela e a família, e que ainda poderiam receber convidados, mas Paul fica irredutível e parado na cozinha com a cabeça apontando para a geladeira.

Anna se rende e pega mais 4 ovos, mas dessa vez acha melhor embrulhá-los. Paul, o desastrado, novamente faz mais uma besteira, derruba o telefone sem fio dentro da pia. Anna começa a se estressar e pede que Paul vá embora antes de destruir toda a casa, porém Paul lembra que ela iria embrulhar os ovos.

Anna volta a embrulhá-los e entrega nas mãos de Paul, ele se desculpa mais uma vez e sai. Anna fica aliviada, se encosta no armário e ri. Pega mais uma vez o telefone e o joga dentro da bolsa, de onde tira um cigarro.

Mal sabia ela que o jogo de Michael Haneke só tinha começado...

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O Castelo

2011-05-12T15:11:00.000-03:00

Das Schloß – Michael Haneke – 1997 (DVD)

Kafkiano – adj. s.m. Relativo a Franz Kafka, ou à sua obra. Que é relativo a um ambiente confuso, ilógico ou absurdo.

O agrimensor K. foi contratado pelo Conde para prestar seus serviços ao Castelo. Sem conseguir ir ou ao menos se aproximar do Castelo, K. permanece na vila que cerca o Castelo juntamente a outros funcionários.

O livro de Franz Kafka data de 1922 quando a Europa vivia o processo de urbanização e revolução industrial. Baseado nisso é assertivo que a história crítica a crescente burocratização do Estado, culminando no que vivemos hoje. K. (vivido pelo excelente Ulrich Mühe) vai do desconhecido tentando se adaptar, a revolta querendo transformar, a indiferença e aceitação do sistema.

O clima frio e o uso da narração por cima dos acontecimentos dá ao filme uma versão em película do livro. Nota-se a mão de Michael Haneke com os cortes secos, as imagens paradas, e as colocações da câmera já típica de seu cinema.

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Michael Haneke

2011-05-05T15:56:00.007-03:00

“É um dever da arte formular perguntas, não de fornecer respostas. E se você quiser uma resposta clara, eu ignoro”.

O trânsito caótico prevê-se o acontecimento de algo grave. Uma aglomeração ao lado de dois carros aparentemente batidos é a explicação. Em frente aos automóveis, duas senhoras discutem e se empurram, alguns curiosos apenas olham, 2 transeuntes tentam acalmá-las afastando-as uma da outra. O desfecho é quase certo e é por isso que tanta gente está ali. Num momento de distração dos fortes rapazes, as duas velhas se engalfinham rolando pelo chão.

A violência é inerente ao homem. Ela é uma ferramenta de educação. É um instinto animal que nós, apesar de termos inteligência, possuímos. A violência atraí nossos olhares, a violência nos é instintiva.

O psicólogo e filósofo Michael Haneke é professor na Academia de Cinema de Viena, na Áustria, onde leciona duas vezes por semana e reside com sua esposa Susanne, com quem tem 4 filhos. Nascido em Munique na Alemanha em 23 de março de 1942, filho do ator e diretor alemão Fritz Haneke e da atriz Beatrix Degenschild, Michael começou no cinema como crítico e depois editor e dramaturgo de televisão. Em 1973 dirigiu seu primeiro filme para TV chamado ...Und was Kommt Danach?

Suas películas trazem a violência como trama principal. Câmeras estáticas e cortes abruptos usando fundo preto são marcas de seu cinema. Sua grife emprega o suspense de forma a adiar a iminência de uma tragédia, também faz do espectador uma vítima cooptando-o a julgar os envolvidos.

Haneke é o mais novo membro da sala vip do museu. Na sua retrospectiva farão parte os filmes: O Castelo (1997), Violência Gratuita (1997), Código Desconhecido (2000), A Professora de Piano (2001), Caché (2005) Violência Gratuita U.S (2007) e A Fita Branca (2009).

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Boardwalk Empire

2011-04-29T10:50:00.001-03:00

Boardwalk Empire – Terence Winter – 2009 (HBO)

Como se chama um irlandês que não xinga? Mudo. Como se chama um irlandês que não bebe? Cadáver. Como se chama um irlandês de Atlantic City? Não importa, você chama de irlandês.

A principal atração dessa série foi à direção do primeiro episódio por Martin Scorsese, mas quer saber? É um ótimo cartão de visita, porém nem é o melhor, nem o mais bem dirigido dos episódios que compõem essa primeira temporada. A principal atração é sem dúvida Steve Buscemi, sua interpretação do mafioso irlandês, titular do tesouro de Atlantic City que passa a se envolver com bebidas durante a lei seca é digna de Oscar para ser aplaudido de pé.

Centrado nessa trama e nesse incrível ator, Boardwalk é um Família Soprano (1999) levado ao império do calçadão (o nome da série) da cidade do jogo norte-americana da década de 20.

No melhor estilo de filmes de máfia, que se baseia em um personagem real e vai incrementando o roteiro com liberdade artística, Boardwalk Empire foi inspirada na vida de Enoch L. Johnson, político e gangster da cidade de Atlantic City que juntamente com seu irmão, o eterno xerife Smith Johnson, dominou e governou a cidade durante vários anos. A série é baseada no livro homônimo do juiz Nelson Johnson.

Com a reconhecida qualidade da HBO (cenários, figurinos, reconstituições), atores de segundo escalão hollywoodianos dando show (Michael Pitt, Kelly Mcdonald, Michael Shannon e Aleska Palladino), e roteiro de Terence Winter, também de Família Soprano (1999), O Império do Calçadão é atualmente a melhor série da TV feita para agradar os órfãos da melhor série de todos os tempos.

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Ricky

2011-04-27T16:47:00.002-03:00

Ricky – François Ozon – 2009 (Cinemas)

Na primeira cena do filme a câmera em close mostra o desespero da protagonista. Uma francesa abandonada pelo companheiro espanhol, doente e com dois filhos para criar, ela conversa com uma assistente social, quer dinheiro e ajuda para criar seu bebê, que chora o tempo todo.

Ricky é o bebê que todas as mães queriam. É um anjo. Seus pais, que se conheceram na fábrica onde trabalham, ainda estão no começo do relacionamento, mas a presença de Ricky pode significar muitas descobertas para o casal. A mãe Katie (Alexandra Lamy) já tem uma filha, adorável por sinal, o pai Paco (Sergi López) parece ser um sujeito legal, até Ricky aparecer com alguns hematomas nas costas e viver chorando.

François Ozón, um dos cineastas preferidos do Museu, é um manipulador. Assim como Stanley Kubrick ele vaga por vários gêneros cinematográficos, valendo-se de sua cultura cinéfila e de sua inquieta criatividade, Ricky é sua primeira fábula, e é uma das mais lindas e cativantes da história do cinema.

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Bossypants

2011-04-26T10:24:00.000-03:00

Bossypants – Tina Fey – 2011 (Livro)

Seja bem vindo amigo,

Parabéns pela compra desse exemplar genuinamente norte-americano. Cada componente desse livro foi selecionado para lhe oferecer o máximo em performance, do que você precisa para ler.

Tina Fey é da nova safra de comediantes norte-americanos, não sou muito fã dela, acho que das 10 piadas que faz, 3 são engraçadas, mas é inegável seu talento como atriz e seu carisma.

Bossypants é uma compilação de textos sobre sua infância, do tempo em que trabalhava no Saturday Night Live (uma espécie de Zorra Total estadunidense), e os dias atuais como produtora e atriz de 30 Rock. Por enquanto o livro só foi lançado nos EUA, podendo ser comprado pela amazon.

Mad Men

2011-04-13T15:20:00.000-03:00

Mad Men – Matthew Weiner – 2007 (HBO)

MAD MEN FOI UM TERMO CRIADO NO FINAL DOS ANOS 50 PARA DESCREVER OS EXECUTIVOS DE PROPAGANDA DA AVENIDA MADISON.

ELES QUE CRIARAM.

Com essa história bem esquisita se inicia a série de TV Mad Men, que se centra na vida do publicitário nova iorquino Donald Draper (Jon Hamm), um grande executivo de criação da agência Sterling Cooper, nos anos 60. A série, gerada por Matthew Weiner, e que chamou a atenção de David Chase, criador de Família Soprano (1999), usa histórias verídicas alterando um pouco a verdade, expediente comum em roteiros sobre a máfia. Chase, claro, recorreu a Weiner para co-escrever a série sobre Tony Soprano, e Mad Men foi colocada na gaveta até o final da melhor série norte-americana já produzida.

Mad Men reconstrói uma NY de 1960 com riqueza de detalhes de figurino, cenários e costumes, e abusando das questões raciais, da mulher na sociedade e do cigarro. Todos os atores fumam cigarro de ervas, já que é proibido por lei os atores fumarem cigarro de tabaco em ambiente de trabalho nos EUA. A série é produzida em película e convertida em HD.

A abertura da série é uma homenagem declarada ao cineasta inglês Alfred Hitchcock, Weiner disse que o estilo visual é completamente “chupado” dos filmes de Hitch. Estilo esse muito elogiado, Mad Men é sucesso de público e crítica, possui uma fotografia das mais interessantes e uma trilha sonora sensacional capitaneada por David Carbonara.

No primeiro episódio uma campanha para a Lucky Strike foi desenvolvida. O slogan “It’s Toasted” foi realmente utilizado pela empresa, mas não foi criada da forma como mostram, isso rendeu até um artigo na revista New Yorker que mostra como realmente aconteceu em resposta a Linda Schupack, publicitária responsável pela criação das campanhas que são mostradas na série. Em 1917 foi lançado o slogan “It’s Toasted”, para descrever o processo de produção do cigarro na época, a frase veio de um amigo de um vendedor da empresa que disse que sempre comia torradas no café-da-manhã.

Sidney Lumet

2011-04-09T15:15:00.000-03:00

Attica! Attica! Attica!

Estou louco como o diabo e não vou mais agüentar isso!

"Todo grande trabalho está preparando você para um acidente que venha a acontecer".

Da carreira de Lumet, só me lembro dos grandes trabalhos:

12 Homens e 1 Sentença (1957)

Um Dia de Cão (1975)

Rede de Intrigas (1976)

Find me Guilty - Sob Suspeita (2006)

Antes que o Diabo saiba que você está Morto (2007)

Sidney Lumet, 1924 – 2011.

Um Sonho de Amor

2011-04-04T17:23:00.001-03:00

Io Sonno l’amore – Luca Guadagnino – 2009 (Cinemas)

Na ária La Mamma Morta da ópera Andrea Chénier de 1896, composta por Umberto Giordano, o ápice dela mostra a protagonista, Maddalena di Coigny cantando: Eu sou o amor (Io Sonno l’amore) e um anjo se aproximou com um beijo, o beijo da morte.

Amparado na belíssima fotografia do francês Yorick Le Saux, Luca Guadagnino mostra-se um excelente cineasta para criar um clima de suspense para um evento que virá acontecer, nos deixando na expectativa, mas com aquela sensação de esperar pelo pior. Ele já havia feito isso no bom 100 Escovadas antes de Dormir (2005).

A atriz inglesa Tilda Swinton aprendeu italiano e russo para compor sua personagem, uma mulher russa casada com um italiano industrial milionário na virada do século em Milão.

Parábola do Mês

2011-03-21T21:24:00.002-03:00

E a morte devolveu esses tesouros por uma música. O rouxinol cantou. Cantou no cemitério da igreja, onde rosas brancas crescem, onde as flores antigas deixam doce o ar, onde a grama é sempre verde, molhada com as lágrimas de quem ainda vive. A morte ansiava por seu jardim. Pela janela, uma neblina fria e cinzenta como a morte partiu. “Obrigado, obrigado”, disse o imperador. "Passarinho do céu conheço-o há tempo.

Uma vez o bani da minha terra, e ainda assim você afugentou o mal da minha cama, e a morte do meu coração. Como posso recompesá-lo?" “Você já me retribuiu”, disse o rouxinol. "Eu trouxe lágrimas a seus olhos quando cantei para você. Para o coração do cantor, isso é mais valioso que qualquer pedra preciosa. Agora durma e cresça renovado e forte enquanto eu canto”.

Ele cantou até o imperador cair num profundo e renovador sono, um doce e suave descanso.

* Extraída do filme Em um Mundo Melhor (2010) de Susanne Bier, interpretada pelo talentoso garoto William Jøhnk Nielsen

Cópia Fiel

2011-03-17T17:12:00.001-03:00

Copie Conforme – Abbas Kiarostami – 2010 (Cinemas)

Juliette Binoche resplandece em Cópia fiel, novo filme do diretor iraniano Abbas Kiarostami. Cópia fiel constrói um admirável jogo de verdades e mentiras de um casal, formado por Juliette Binoche e o cantor lírico britânico William Shimell, estreando no cinema.

A verdadeira natureza do relacionamento desses dois é uma das chaves da descoberta da história, cheia de camadas, climas e evocações. Filmado em belíssimos cenários da Toscana, o filme é uma jóia intimista, pulsante nos rostos de seus atores e em que o uso do discurso amoroso – oscilando entre o inglês, o francês e o italiano – é movido pelas chamas, ora amortecidas, ora vibrantes, da maturidade.

Sem querer estragar o jogo da narrativa, o relacionamento entre os dois atravessa vários climas, da tentativa de sedução ao compartilhamento de lembranças e sensações. É como se estes dois tivessem vivido algumas vidas diferentes e, em algumas, se encontrado, noutras, se perdido - sem que isso acarrete nada de sobrenatural, apenas experiências diversas ao longo dos anos.

Além da natureza instável do amor, Cópia fiel toca outros temas - o primeiro deles, o que dá nome à obra, em torno da importância da discussão sobre o que é autêntico ou falsificado, e o valor, relativo ou absoluto, das muitas cópias encontradas no mundo da arte.

* Texto copiado conforme Neusa Barbosa, do Cineweb.

Partir

2011-03-16T16:46:00.000-03:00

Partir – Catherine Corsini – 2009 (DVD)

O verbo partir tanto em francês como em português tem o mesmo significado, e incrivelmente foi reprisado pelos tradutores brasileiros. Dizem que em Portugal o filme chama-se Ir Embora. Perdoem-me a piada sem graça.

Dizem que alguns poucos vinhos ficam melhores com o tempo.

Kristin Scott Thomas aos 50 anos nunca esteve tão bela. Interpretando Suzanne, a esposa entediada e carente que se apaixona por um empregado, Kristin segura o filme através de sua plástica e de seu talento – principalmente na segunda parte do filme.

A cineasta francesa não traz nada de novo ao gênero e se apóia no carisma da atriz inglesa que fala francês fluentemente. É verdade que aqui ela quebra um pouco a imagem aristocrática que Kristin possui, mas a preguiça da diretora em fazer de uma história batida algo novo revela-se como ponto fraco do filme.

O Homem que não Amava as Mulheres

2011-03-14T13:33:00.000-03:00

Män Som Hatar Kvinnor – Niels Arden Oplev – 2009 (DVD)

Um pacote pardo amarrado de corda diagonalmente e paralelamente é cuidadosamente aberto por um senhor usando luvas branca e um pequeno canivete. Lentamente ele tira um quadro de dentro do envelope e põe-se a analisá-lo. É uma obra em relevo de folhas secas. O senhor agora volta à atenção ao pacote, em especial ao carimbo do remetente onde se lê Hong Kong. Agora ele senta na confortável da cadeira de seu opulento escritório e, enquanto a câmera se afasta dos intensos closes, chora um choro convulsivo.

O cinema sueco para mim se resumia a Ingmar Bergman, portanto minha ignorância em relação às produções desse país se dissipou. Porém como tudo na vida existe o lado bom e o ruim... O bom é que na Suécia se faz filmes de qualidade técnica e que não se resume a ótica existencialista de Bergman, a ruim é que a influência do cinema norte-americano também globalizou a cultura deles.

Baseado no livro de sucesso mundial Millenium, na verdade uma trilogia escrita pelo sueco Stieg Larsson, O Homem que não Amava as Mulheres é a sua primeira parte, e já vai ganhar um remake hollywoodiano capitaneado por David Fincher e chamado The Girl with the Dragon Tattoo, tradução literal do livro. Atualmente está em pós-produção.

O dinamarquês Niels Arden Oplev conduz a criativa trama com ousadia, mas com estilo peculiar do cinemão norte-americano. O clima de suspense é perfeito e as reviravoltas são bem detalhadas. Um filme para ver antes da versão de Hollywood.

O Vencedor

2011-03-02T11:56:00.000-03:00

The Fighter – David O. Russel – 2010 (Cinemas)

Os dois boxeadores travam uma luta franca, aberta, o público em pé grita pelo knock out, os corpos ao mesmo tempo em que seguem firme são maleáveis ao ponto de uma dança, as cordas ajudam a se manterem no ringue, de repente um deles cai. E cai justamente Sugar Ray Leonard. Um golpe? Um empurrão? Um tropeço?

Essa luta é o elemento principal de O Vencedor, mas não esperem vê-la no película. É a luta pela qual Dick Eklund Ward (Christian Bale) parou no tempo, seu momento de glória que permanece viva.

O Vencedor é um filme de boxe sem boxe, ou melhor dizendo, com cenas ridiculamente filmadas. Propositalmente o cineasta evidencia o outro lado das lutas, o que está por trás dela, a família Ward.

127 Horas

2011-02-23T15:40:00.000-03:00

127 Hours – Danny Boyle – 2010 (Cinemas)

127 Horas nasceu para ser uma obra-prima. A história de determinação e apego à vida de Aaron Ralston, ao contrário do que muita gente pensa, se encaixa perfeitamente nos moldes do cinema. Porém Boyle transformou-o apenas num filme medíocre.

O cineasta até começa bem, a metade inicial parece nos dar a sensação de que algo maior virá, algum pensamento, algum toque divino irá transformar aquela previsível jornada. Afinal de contas todos nós já sabemos o final.

Mas Danny Boyle, outra vez, prefere os louros do dinheiro. A segunda metade da película parece até um grande videoclipe dessas novas bandas de rock norte-americanas. Ai só nos resta apreciar a ótima interpretação de James Franco.

Parábola do Mês

2011-02-17T23:31:00.001-03:00

Sabe qual o melhor roteiro de hollywood. Top Gun. É sobre a luta de um homem contra seu próprio homossexualismo. Você tem Maverick. Ele está no limite. Ele está bem no meio. E você tem Iceman e toda sua turma. Eles são gays. Eles representam os homens gays. E eles ficam dizendo, venha pro lado gay. Kelly McGillis é a parte heterossexual do filme, ela diz: “seja normal. Siga as regras.” E eles dizem: “Não. Siga o lado gay. Seja gay”. É o que acontece durante todo o filme. Então Maverick vai à casa de Kelly McGillis. Parece que vão transar, ele toma um banho. Não transam, ele pega a moto e vai embora. Ela diz: “Que porra é essa?” Na cena seguinte você a vê no elevador vestida como um homem. Ela está de boné, óculos de aviador e usando a mesma jaqueta que Iceman usa. Ela pensa: “É assim que vou ganhá-lo. Ele está indo pro lado gay. Preciso trazê-lo de volta do lado gay. Então vou me vestir como um homem. Mas no fim do filme é a batalha contra os MIG que foi quando ele passou pro lado gay. Eles são a força gay corajosa. E os gays estão dando um pau nos russos. Ai acaba e eles aterrisam. E o Iceman tentou pegar o Mavercik o filme todo. E finalmente ele consegue! E o que falam antes de se beijarem e abraçarem? Iceman chega pro Maverick e diz: “Cara, pode pilotar minha cauda quando quiser”. E Maverick responde: “E você a minha”.

* Extraída do filme Vem Dormir Comigo (1994) de Rory Kelly, narrado por Quentin Tarantino. Em DVD.

O Discurso do Rei

2011-02-10T15:04:00.001-03:00

The King’s Speech – Tom Hooper – 2010 (Cinemas)

Só mesmo os britânicos para fazerem tanto alvoroço com a monarquia. A Rainha (2006) já discutia isso e foi um tremendo sucesso de bilheteria por aquelas bandas, igualmente agora vem O Discurso do Rei ampliando ainda mais essa relação de amor, subserviência e ódio.

Passando ao largo das polêmicas quanto ao flerte com o nazismo da família real, a película trata do problema de gagueira de George VI que assume a coroa inglesa depois que seu irmão mais velho renuncia ao cargo, nos tempos do Império britânico.

Claro que não podemos deixar de falar de Colin Firth e Geoffrey Rush, e também, porque não, Helena Bonham Carter. Incrível como eles só funcionam juntos, sozinhos as personagens não tem a mesma vitalidade. Firth se destaca, mas longe de ser a atuação extraordinária de Direito de Amar (2009). O Discurso do Rei acaba por ter momentos maravilhosos no embate Rush e Firth, e ser um filme morno quando eles não dividem a tela.

Cisne Negro

2011-02-03T11:31:00.001-03:00

Black Swan – Darren Aronofsky – 2010 (Cinemas)

“Narciso acha feio o que não é espelho”.

Caetano Veloso

Aos auto-denominados perfeccionistas aqui vai uma informação que talvez lhes seja útil. Não existe perfeição. Simples assim. A perfeição é algo subjetivo, abstrato, narcisista, em resumo, se é perfeito para você, pode não ser para alguém, e isso quebra o encanto.

O roteiro de Cisne Negro originalmente era centrado no mundo do teatro, o diretor Darren Aronofsky foi o responsável por transferir para o balé, essa foi à primeira decisão acertada.

Rachel Weisz foi considerada para o papel principal, na época em que ainda era casada com o cineasta. Natalie Portman ganhou o papel, e ela é para o filme o que foi Mickey Rourke para O Lutador (2008), ou seja, o filme é dela, essa foi à segunda decisão acertada.

Natalie sugeriu que o papel da bailarina rival, e com quem divide uma cena de sexo quentissima fosse da amiga Mila Kunis, essa foi à terceira decisão acertada.

Vincent Cassel. Bom, ele é o marido de Monica Bellucci, e está se tornando uma espécie de Javier Bardem francês, essa foi à quarta decisão acertada.

Juntando Aronofsky, balé, Natalie, Kunis e Cassel só há uma coisa a dizer do filme. Ele é perfeito!

Um Lugar Qualquer

2011-01-27T16:12:00.001-03:00

Somewhere – Sofia Coppola – 2010 (Cinemas)

Sou fã da cineasta Sofia Coppola, gostei e vi todos os seus filmes. Dito isso vou abrir um espaço aqui para esculhambar seu novo filme. Sofia é uma crítica contumaz da atual geração. Todos os seus filmes, dirigidos e roteirizados por ela, tem essa vertente, o que se explica por cultuar cineastas do quilate de Federico Fellini e Michelangelo Antonioni.

Um Lugar Qualquer peca justamente pela falta de crítica. Johnny Marco (Stephen Dorff) pode ser um péssimo profissional, mas é um excelente pai, sua filha adolescente, interpretada pela irmã de Dakota Fanning, Elle, simplesmente adora o pai, e seus momentos com ela o despertam da letargia que marca as personagens de Sofia. Não existe uma crítica sequer a ser feita para Johnny, portanto seu comportamento é inverossímil.

Visualmente a película é muito bem feita. Foi filmado no famoso Hotel Chateau Marmont que fica no bairro mais chique de Hollywood, e onde as celebridades adoram aparecer, a própria diretora é habitué do hotel.

Sofia parece mais interessada nas belas tomadas, nas belas panorâmicas, ou em cenas abstratas vazias, como a do início do filme em que a Ferrari dá cinco voltas em frente à câmera estática. A cineasta só esquece que, tanto Fellini quanto Antonioni usavam o abstrato para fazer o espectador pensar. Sofia prefere o tédio.

Além da Vida

2011-01-25T20:16:00.000-03:00

Hereafter – Clint Eastwood – 2010 (Cinemas)

Todos nós iremos morrer. Dessa verdade ninguém escapa. Então mais do que curiosidade, essa atração pelo o que vem depois é absolutamente inerente ao ser-humano. E como tudo que envolve o desconhecido existem aqueles que exploram isso para ganhar dinheiro, e outros que fazem um trabalho muito bonito, principalmente em relação aos parentes do que já partiram.

Clint Eastwood está, obviamente, nos que fazem um trabalho bonito.

E numa cena em especial ele deixa isso claro, e também serve de exemplo, é quando a personagem de Matt Damon que interpreta um médium recebe o garoto Marcus que acabara de perder o irmão gêmeo. Desesperado por não mais ter o irmão do lado, Marcus procura uma resposta, o vidente perde o contato com o morto, mas acaba por lhe deixar uma mensagem positiva que o menino procurava ouvir.

E assim o cineasta também faz com seus espectadores, não tem como não deixar o cinema carregando um sentimento bom, e de quebra maravilhado com a trilha sonora, composta por ninguém menos que o próprio Clint. Se a melhor trilha do ano passado foi de Ennio Morricone em Baarìa (2009), a desse ano é de seu amigo Clint Eastwood, e o ano acabou de começar.

O Turista

2011-01-21T12:16:00.001-03:00

The Tourist – Florian Henckel Von Donnersmarck – 2010 (Cinemas)

Eu não sou e nunca serei contra o entretenimento puro e simples. O chamado filme-pipoca tipicamente hollywoodiano. Sou contra sim inflacionar o mercado impossibilitando gênios como Paul Thomas Anderson fazer um filme porque não tem orçamento. E sou contra também blockbusters vendido por críticos como arte.

O cineasta alemão Florian Henckel Von Donnersmarck ganhou um Oscar por A Vida dos Outros (2006) e um telefonema de Angelina Jolie.

O Turista é um belo filme, e o adjetivo aqui se refere às imagens da linda e charmosa Veneza, uma cidade cercada pelo mar, mas você (eu não acho) pode também usar a palavra para referir-se ao casal de protagonistas.

Henckel consegue fazer de uma trama insossa (polícia caça terrorista vigiando sua mulher), uma película que prende a atenção e foge dos clichês, apesar de em alguns momentos ser impossível escapar.

Você vai conhecer o Homem de seus Sonhos

2011-01-20T15:54:00.002-03:00

You Will Meet a Tall Dark Stranger – Woody Allen – 2010 (Cinemas)

Anthony Hopkins

Josh Brolin

Naomi Watts

Freida Pinto

Antonio Banderas

Dirigidos por

Woody Allen

“A vida é um conto, narrado por um tolo, cheia de som e fúria significando nada”. Shakespeare

Não troco essa fase européia de Woody Allen por nenhum filme anterior. Por menor que seja a película, ainda assim é um filmaço. Pode ser os ares do velho continente, mas pode também ser a maturidade artística.

Você vai conhecer o Homem de seus Sonhos traz a grife Allen renovada desde Matchpoint (2005).

Todos sabem da adoração do cineasta por Doistoievski e, em seu momento atual, ele faz questão de pincelar seus filmes com a obra mais famosa do escritor. Pode ser com traços leves como fez em Vicky Cristina Barcelona (2008), ou com traços pesados em O Sonho de Cassandra (2008), a certeza é que a influência do autor de Crime e Castigo está cada vez mais explícita e decorativa em sua filmografia. E isso está sensacional.

A história gira em torno de uma cartomante charlatã que passa a influenciar a vida de uma senhora (Gemma Jones) que foi dispensada pelo marido (Anthony Hopkins). Genial ver Allen manipulando os acontecimentos de forma a nos provar que as visões da vigarista se realizam graças à fé dos discípulos.

Bravura Indômita

2011-01-15T15:12:00.002-03:00

True Grit – Joel e Ethan Coen – 2010 (11 de fev. nos cinemas)

Os ímpios (ateus) fogem sem ninguém a persegui-los.

Provérbios 28;1

Ninguém acreditava que Joel e Ethan Coen poderiam fazer um filme que entrasse no hall das grandes obras-primas do cinema. Mas, aconteceu;

Ninguém acreditava que Jeff Bridges conseguiria mais uma interpretação visceral e incontestável apenas alguns meses depois de Coração Louco (2009). Mas, aconteceu;

Ninguém acreditava que Carter Burwell e Roger Deakins fossem superar seus trabalhos primorosos em Fargo (1996) e O Homem que não Estava lá (2001), respectivamente. Mas, aconteceu;

Ninguém acreditava que uma menina tão nova poderia sair de casa, durante o inverno, para vingar a morte de seu pai. Mas, aconteceu.

Deve pagar por tudo nesse mundo, de uma forma ou de outra. Nada é de graça, exceto a graça de Deus.

Fora de registro. Existem mercenários que mesmo amando o dinheiro conseguem passar pela vida de cabeça erguida. Ouça aqui a bela música que encerra o filme cantada por Iris Dement, chama-se Leaning On The Everlasting Arms.

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Diálogos de Reuben Rooster Cogburn

- O sanitário está ocupado!

- Eu sei, Sr. Cogburn. Como disse tenho negócios com você.

- Tenho que tratar desse negócio primeiro.

Não preciso comprar, posso confiscar. Sou um oficial da lei.

Melhores de 2010

2011-01-07T16:24:00.001-03:00

Enfim chegou o dia de colocarmos os pingos nos is. Nesse mês me peguei vendo muitos filmes para não cometer injustiças aqui. Eis a minha escolha em ordem decrescente:

Se o noir ainda existisse ele seria hoje como O Segredo de Seus Olhos. O filme argentino é incrível e se desenrola fácil através de sua duração de um pouco mais de 2 horas. Juan José Campanella se afirma como o maior realizador do cinema portenho e ainda produz uma cena espetacular.

O Profeta. O filme francês é arrebatador. Sua linguagem cinematográfica lembra os grandes policiais, em especial os sobre a máfia estadunidense, porém o filme ainda é um soco na política de separatismo que impera atualmente na Europa.

Esculhambei Christopher Nolan por Batman. E ainda continuo esculhambando. É clichê. Em A Origem parece que ele me leu, se contar para você o filme todo, de cabo a rabo, quando for ver será pego de surpresa. Nolan conseguiu fazer de uma trama embaralhadora, um filmão cheio de originalidade e, sinceramente, é a cara do diretor de Amnésia (2000).

Agora é que o bicho pega, mas pela primeira vez resolvi decretar empate. Baarìa e A Fita Branca são películas completamente diferentes que se igualam na perfeição técnica do que chamo de cinema. A 7ª arte para mim é a junção de emoção com conteúdo, e essas obras-primas estão carregadas disso. A emoção de Baarìa é tanta que chega a extrapolar. Ao som de Ennio Morricone e a melhor trilha do ano então. Já A Fita Branca opta pelo conteúdo. E é incrível e gostoso vê-lo como unanimidade entre críticos e blogueiros. A emoção do filme de Haneke é ver o cinema como meio de expurgar o passado (a Alemanha está mudando, é só olhar pro futebol deles), enquanto que o conteúdo da obra de Giuseppe Tornatore é a simplicidade de uma “lifetime” (me desculpem, mas não consegui achar uma tradução que se encaixe, e simplesmente adoro essa palavra).

Ano passado Mickey Rourke foi o convidado de honra do Museu para divulgar os filmes devido a sua atuação espírita em O Lutador (2009). Esse ano o destaque é o cineasta alemão Michael Haneke, além de enxergarmos a violência com o mesmo olhar, o cinema de Haneke me atrai muito pelo aspecto cinematográfico, fotográfico e técnico, ele faz cinema como se fosse simples e sua simplicidade, seu desprendimento realiza obras que só assim podem ser consideradas perfeitas.

Tio Boonmme, que Pode Recordar suas Vidas Passadas

2011-01-06T13:03:00.001-03:00

Lung Bunmi Raluek Chat – Apichatpong Weerasethakul – 2010 (Cinemas)

Vous pouvez aller travailler maintenant.

Começando pelo terror, passando pela comédia e terminando no onírico, assim podemos definir o vencedor de Cannes 2010, Tio Boonmme, que Pode Recordar suas Vidas Passadas.

Sua inesperada vitória em Cannes deve-se ao presidente do júri, o cineasta norte-americano Tim Burton, dá pra imaginar ele aliciando o resto do júri para agraciar o filme. Tio Boonmme é a cara de Burton.

Um dos grandes trunfos do diretor tailandês Apichatpong Weerasethakul (ctrl+c ctrl+v) são suas câmeras estrategicamente posicionadas e estáticas, assim ele consegue assustar criativamente, fazer graça em certos momentos e imprimir um ritmo lento. Obviamente que isso vai de encontro a geração fast life, mas é muito bom saber que ainda se faz filmes assim, mesmo que na Tailândia.

Você pode ir pro trabalho agora.

O Profeta

2011-01-04T20:09:00.000-03:00

Un Prophète – Jacques Audiard – 2009 (DVD)

Atualmente a França vive uma crise de identidade assustadora. Grande parte da população não nasceu no país, uma outra grande parte são filhos de imigrantes e claro os franceses puros. Só em dizer essa frase já mostra a segregação que vive o país, e isso reflete em todos os segmentos da sociedade.

Na prisão, esse mundo não é diferente.

Malik (Tahar Rahim) é um jovem de origem árabe preso por alguma besteira que não fica claro. No cárcere, sob divisões étnicas, ele se envolve com o chefão da máfia da Córsega e flerta com o grupo de muçulmanos.

A máfia é outro ponto que o cineasta Audiard explora. Não à toa os críticos adoram comparar o filme a O Poderoso Chefão (1972). Em comum o clima de violência a qualquer segundo e o clássico da música mafiosa Mack the Knife.

Baarìa

2011-01-02T22:03:00.001-03:00

Pietro, Pietro, Pietrozino, brincando de rodar o peão

Vai pegar cigarros para ganhar 20 liras

E vai voando, voando, voando.

Do alto se enxerga melhor, do alto a visão é mais bela

A cor creme da areia parece branco

E Bagheria é perfeita com suas vidas e vielas.

Baarìa – Giuseppe Tornatore – 2009 (Cinemas)

Giuseppe Tornatore é um poeta. Talvez os maiores poemas em homenagens ao cinema, a mulher, e aos pais foram feitos por ele, mas com a mais absoluta certeza, e quem me conhece sabe que odeio fazer afirmações como essa, o maior poema já feito para a cidade de Bagheria é dele, já que dura cerca de 2 horas e meia. Porém a certeza mais certa, desculpem a insistência do pleonasmo, é que Baarìa é o mais belo poema que a pequena cidade siciliana terá.

Compro dólares!

Assistir filmes dos grandes diretores do cinema é como ir ver um jogo de futebol de um grande craque, ai você adiciona Ennio Morricone e só vem a minha cabeça Pelé e Garrincha. Assim funciona o filme, enquanto Tornatore nos mostra imagens perfeitas como a da mãe, seus filhos e a avó se deitando no chão da sala visto por cima num perfeito quadrado, Morricone põe a orquestra para tocar mais uma melodia que entra por nossos ouvidos e permanece em nossos corações para sempre.

Compro dólares!

Baarìa que significa a porta do vento em árabe, e é como os moradores chamam a cidade de Bagheria, é cinema na sua essência mais profunda, numa cena um garoto troca figurinhas por pedaços de película, coloca-as contra o sol e vai adivinhando o filme pela cena impressa ali. É incrível a capacidade do diretor italiano em construir poesia com imagens. Eu que já achei que ele tinha feito de tudo com Cinema Paradiso (1988), voltei-me a surpreender e emocionar-me. Giuseppe Tornatore fez um filme maravilhoso, belo e simples, e quando achamos que acabou, as lágrimas escorrem do rosto feito cachoeira.

Compro dólares!

Eu quero o seu cavalo: Ola, não ouve? Acrescentou Orlando, e com furor se moveu. Trazia um bastão nodoso, espesso e forte, aquele pastor consigo, e o paladino o abateu. A raiva e a ira ultrapassaram os modos do conde e pareceu mais soberbo do que nunca fosse. Na cabeça do pastor um punho acerta que rompe o osso, e morto cai por terra. Monta o cavalo, e por diversa aleia vai percorrendo, e a muitos lhe saqueia. Não agrada o cavalo nem o feno nem aveia, tanto que em poucos dias resta fraco, mas não é que Orlando a pé siga andando pois condução quer obter matando, e quantas achou, tantas em uso pegou porque os seus proprietários assassinou.

Piada interna de cinéfilos; a mosca do filme é interpretada por Moscata Ziu, em sua filmografia o clássico Era uma Vez no Oeste (1968).

Tetro

2010-12-29T20:22:00.005-03:00

Tetro – Francis Ford Coppola – 2009 (Cinemas)

NO SUELTES LA SOGA QUE ME ATA A TU ALMA

A primeira cena após os créditos iniciais do filme capturam um fenômeno conhecido como fototaxia. É quando as mariposas, atraídas pela luz branca das lâmpadas se batem no vidro provocando um conhecido barulho. Tetro (Vicent Gallo), a personagem principal, observa detalhada e estranhamente aquilo.

Poucos cineastas atualmente tem coragem e respaldo financeiro para fazerem um filme em preto e branco. Coppola, por incrível que pareça, só realizou o filme por causa de sua segunda profissão, produtor de vinhos. Resultado: a distribuição foi afetada e o filme chega com quase 2 anos de atraso em pouquíssimos e ótimos cinemas.

Tetro é um projeto pessoal do cineasta que dirigiu, escreveu, financiou e levou a produção para Buenos Aires, ao bairro Boca na capital argentina. Deixou a direção de fotografia com o romeno Mihai Malaimare Jr. e realizou seu trabalho mais artístico e comercial dentro de sua famosa filmografia.

NÃO SOLTE A CORDA QUE ME AMARRA A SUA ALMA

Tropa de Elite 2

2010-12-18T00:14:00.003-03:00

Elite Squad 2 – José Padilha – Cinemas (2010)

“É na hora da morte que a gente entende a vida”.

Capitão Nascimento era mesmo um fascista.

Quem me disse isso foi o próprio em Tropa de Elite 2.

Enquanto o roteiro possui brilhantismos como na personagem de Milhem Cortaz, Capitão Fábio, que possui dívida de gratidão com Nascimento e percebe que ele é fichinha dentro da corrupção na polícia, ou na personagem de André Mattos, Fortunato, um apresentador de programas sensacionalistas gordo, alguém?, que depois de virar político bate de acordo com seus interesses corruptos, ou ainda no professor de história que trava uma batalha com Nascimento na vida pessoal e profissional. Por outro lado o roteiro evidencia a fraqueza do herói nacional Capitão Nascimento, “o personagem mais popular do cinema nacional desde a retomada”.

Eu era um dos que acreditava e defendia que Capitão Nascimento não era fascista. Tudo que ele teorizava nas suas famosas frases, eram idéias fatídicas do problema das drogas. Quando ele vociferava que o consumidor de drogas é cúmplice do marginal, o que há de fascismo nisso? Mas parece que o cineasta sentiu as críticas.

O roteiro de Bráulio Mantovani e do próprio Padilha acerta nas personagens que não mudam e erram feio nas que mudam, Nascimento e Mathias. E o pior, talvez tenham mudado pela opinião pública.

Pensei até em analisar o filme não como uma seqüência de Tropa de Elite, e acho que seria um filmão.

A Rede Social

2010-12-18T00:10:00.005-03:00

The Social Network – David Fincher – 2010 (Cinemas)

“as coisas na internet não são escritas a lápis, elas são eternas, não dá para apagá-las depois”.

Um brasileiro é o responsável direto pelo provável vencedor do Oscar 2010. Não estamos falando de José Padilha e nem de Fernando Meirelles, dois dos mais próximos a estatueta dourada, falamos de Eduardo Saverin, a fonte de informação de Ben Mazrich, escritor do livro Bilionários por Acaso, adaptado para o cinema no filme A Rede Social.

Eduardo era, ou é, amigo de Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg), o nerd dono do facebook, na época em que estudavam em Harvard. Enquanto Zuckerberg estava na fossa pelo pé na bunda da namorada e por não ser aceito nas grandes fraternidades (leia festas) do campus, Eduardo era o elo de ligação de Zuck com o que ele sempre quis ser, mas nunca conseguiu. Mas tudo isso é ficção, o verdadeiro Mark vive ainda hoje com a namorada que conheceu nas festas de Harvard, Priscila Chan.

Primeiro é preciso deixar claro que tanto Mark Zuckerberg como o filme em si são produtos de nossa atual sociedade e onde chegamos, ou seja, pensar nesse filme/personagem há 30 anos seria algo impossível e não por causa da tecnologia. O livro é ruim porque é muito especulativo, e aqui tá a grande sacada de David Fincher, fazer do filme o embate jurídico que todos nós acompanhamos, enquanto surgem explicações do fenômeno facebook, porém deixando em segundo plano a moral e a ética de Zuckerberg, uma personagem cheio de erros e acertos, afinal você não consegue 500 milhões de amigos sem fazer alguns inimigos.

Comer Rezar Amar

2010-11-10T16:55:00.004-03:00

Eat Pray Love – Ryan Murphy – 2010 (Cinemas)

Te dou duas razões para assistir Comer Rezar Amar, a primeira é Julia Roberts, a atriz norte-americana é um ícone, é incrível sua entrega ao papel e como ela se doa, além dela ter uma relação de amor e ódio com a câmera – numa imagem ela pode ser a mulher mais linda do mundo, noutra a mais feia. Para as mulheres serve o mesmo para Javier Bardem interpretando um brasileiro.Adaptado do romance homônimo e autobiográfico de Elizabeth Gilbert, que no filme é interpretada por Julia, a história roda por 3 culturas para tentar dar sentido a vida da autora, um problema da nossa atual sociedade consumista que já tinha sido explorado em Clube da Luta (1999). Elizabeth tem tudo, um casamento perfeito, uma vida tranqüila, amigos, dinheiro e vida social, mas Elizabeth não sabe, como 90% da população mundial, comer, rezar e amar. A pergunta “se ela tem tudo, não entendo porque é infeliz” já é a resposta.

Parábola do Mês

2010-11-05T17:14:00.005-03:00

Tem uma maravilhosa e velha piada italiana sobre um homem pobre que vai a igreja todo dia e reza perante a imagem de um Santo, implorando: Querido Santo, por favor, por favor, por favor, me deixe ganhar na loteria. Finalmente a exasperada estátua vem a vida e olha pro pedinte e diz: Meu filho, por favor, por favor, por favor, compre um bilhete.

Extraída do filme Comer rezar amar (2010) de Ryan Murphy, narrado por Julia Roberts. Nos cinemas.

A Origem

2010-10-26T21:24:00.004-03:00

Inception – Christopher Nolan – 2010 (Cinemas)

“Para baixo é o único jeito de ir para frente.”

Após um começo arrasador com Amnésia (2000), Nolan volta às telonas com seu terceiro filme, antes veio o espetacular e obviamente não lançado no Brasil Following (1998). Posicionando-se entre os realizadores norte-americanos independentes, o cineasta londrino já tinha a idéia do roteiro de Inception antes mesmo de Amnésia, mas o alto orçamento da produção adiou a realização da película. Christopher conseguiu orçamento para Inception quando o astro Leonardo DiCaprio se juntou ao elenco. Um Midas dos blockbusters, DiCaprio participou de 3 das 5 maiores bilheterias da história do cinema, Titanic (1997), O Aviador (2004) e Clube da Luta (1999).

Inception é um filme que te deixa sem respirar durante um pouco mais de 2 horas e meia graças ao talento do editor Lee Smith e ao roteirista e diretor Nolan que soube explorar os pontos centrais da trama e mergulhar o espectador nesse embaralhador de mente sem nos deixar confusos. Inception é também uma homenagem ao cinema, inesperado e surpreso maravilhei-me com as imagens da Pont de Passy, de O Último Tango em Paris (1972) que agora chama-se Pont de Bir-Hakeim, a ponte que corta o rio sena e tem uma cena de destaque na película.

Michelangelo Antonioni, uma Ode

2010-10-02T02:45:00.005-03:00

Eros

2010-09-25T20:12:00.005-03:00

Eros –Michelangelo Antonioni, Steven Soderbergh e Kar Wai Wong – 2004 (DVD)

Já com a doença que paralisou um lado do seu corpo, Michelangelo Antonioni filmou o segmento O Fio Perigoso das Coisas (mesmo nome de seu livro) do filme Eros que ainda conta com os cineastas Steven Soderbergh e Kar Wai Wong.

Seu curta-metragem traz como abertura desenhos do artista italiano Lorenzo Mattotti ao som do brasileiro Caetano Veloso na canção-homenagem ao cineasta. O erotismo é a principal premissa do filme, mas Antonioni o eleva ao explorar a relação do casal Christopher (Christopher Buchholz) e Cloe (Regina Nemni), e um triangulo amoroso com Linda (a belíssima atriz napolitana Luisa Ranieri, alias, só ela já vale o filme). A nudez é a marca de Michelangelo Antonioni, e as imagens perfeitas.

Identificação de uma Mulher

2010-09-20T20:44:00.005-03:00

Identificazione di una Donna – Michelangelo Antonioni – 1982 (DVD)

Se vê um quadro? Ou seria uma parede? A primeira imagem da película é uma incógnita a primeira vista. E antes mesmo de respirarmos, já somos colocados para pensar pelo mestre. Seria uma brincadeira? Uma pegadinha? Não acredito. Antonioni pensa alto. Ouvimos um barulho. Passa algo pela imagem. Opa, sim, estamos vendo a cena de cima, do alto, e olhávamos o chão do hall de entrada do prédio do diretor Niccolò (Thomas Milian).

Sensacional essa introdução do filme. Errado. Michelangelo Antonioni acabou de nos dar o veredicto de sua película, e que pode se aplicar a toda sua biografia.

Antonioni me deixa a impressão de ser um criador de frames, mas não tão óbvio quanto à frase parece. Ele cria tutoriais, na falta de palavra melhor, em forma de frame, cada imagem tem pelo menos dois significados, ou mais. Vamos pegar o exemplo da cena descrita acima, rapidamente podemos dizer que o cineasta pretendia falar que o que vemos depende do nosso ângulo de visão, e essa afirmação deriva milhões de outras, como a de que nossa percepção daquilo que enxergamos é baseado na nossa cultura, ou que dependendo de nosso estado de espírito nossa visão será distorcida. Ou que todas as visões são distorcidas porque partem de um só ângulo de visão. Ufa. Podemos também propor que Michelangelo falava do poder da imagem em alterar a realidade, ele já explorou isso em Blow-up (1966).

E se a visão vinda de cima é que nos dá a sensação errônea, por ser um tipo de situação rara, de um olhar inquisitivo, amedrontador, de cima pra baixo, o que nesse caso pode ser uma mensagem figurativa para não sermos orgulhosos, vaidosos, não temos esse olhar superior, pois ele engana, equivoca nossa percepção das coisas.

E isso estamos falando apenas do primeiro frame, da primeira imagem, da primeira cena de Identificação de uma Mulher. Esse foi o último longa-metragem feito por Michelangelo Antonioni antes do derrame. Não é considerado uma grande película, mas possui, como todos os outros, uma seqüência memorável, é a cena da neblina em que o casal, o diretor de cinema Niccolò (Milian) e Mavi (Daniela Silverio), discutem dentro do carro e o motorista nada consegue enxergar a frente, uma perfeita alegoria de que ambos não se entendem. Mavi é o rosto que Niccolò procura para seu novo filme, mas ele foi avisado por um estranho que ela não era só dele.Essa é a obra maravilhosa, o legado soberbo que Michelangelo Antonioni nos deixou. Um diretor que nunca precisou, ou quis, ou aceitou dar explicação sobre sua obra. Um cineasta que recebeu vaias com a mesma intensidade com que depois viria arrancar aplausos. Um mestre que transformou filme em cinema, cinema em arte, e arte em obra-prima, o mestre das obras-primas!

Um regente que ensinou ao mundo que não é a procura que interessa, e sim a descoberta da viagem.

Profissão: Repórter

2010-09-16T14:55:00.002-03:00

Esse é o filme pelo qual Jack Nicholson uma vez disse: “É a melhor produção que já participei em toda a minha carreira”.

O cartaz que ilustra esse post é sua versão polonesa criada pelo artista Bartlomiej Kuznicki, mais que um pôster, o polonês Kuznicki conseguiu criar um quadro que retrata o filme melhor que qualquer texto.

Profissione: reporter – Michelangelo Antonioni – 1975 (DVD)

Tem uma cena nesse filme, que na verdade nem deveria ser chamada assim, é uma obra de arte, uma aula de cinema. É a cena final do filme, é um dos momentos mais felizes e brilhantes da sétima arte. Ela é indescritível e intraduzível. Ela une a técnica com a história num exemplo perfeito do que se trata a 7ª arte. Ela é a prova cabal da superioridade cinéfila de Michelangelo Antonioni.

David Locke (Jack Nicholson) acaba de sair do banho. Ainda um pouco molhado ele senta na mesa do pequeno e modesto quarto de hotel. A sua frente dois passaportes chamam a atenção. Close-up nas fotos dos documentos. Num deles David Locke. Noutro David Robertson (Chuck Mulvehill). A semelhança é evidente. A câmera volta-se para Locke, ele está pensativo. Toc-toc. Sua sobrancelha arqueia. Quem será? A câmera continua nele, parece sem pressa de movimentar-se. Ouvimos uma conversa ao fundo, mas aquela voz nos é familiar. Claro. É a conversa de Locke quando conheceu Robertson, seu vizinho de quarto que agora está morto.

Mas Locke tem outros planos em mente e começa a tirar com uma gilete as fotos do passaporte, enquanto isso ouvimos toda a conversa de Locke e Robertson ao fundo. Antonioni também tem outros planos para essa cena.

A câmera se posiciona estrategicamente nas costas de David Locke, sem camisa e suando, ele continua trabalhando para mudar as fotos dos passaportes. Ao lado uma cadeira descansa um gravador ligado, de onde, ao que parece, vem todo o som que ouvimos. Algo chama a atenção do jornalista que olha pro lado fixamente. A câmera, lentamente, vai investigar o que é. A janela do quarto aberta revela para onde Locke olha, a paisagem do deserto africano se abre. Mas não foi isso que chamou a atenção dele. E logo Robertson de camisa azul de botões aberta e calça marrom aparece na varanda atrás da janela. A conversa do gravador continua. Locke de camisa xadrez e calça verde caqui se aproxima, e ficam os dois apreciando aquela bela vista.

Corte para porta com cortina de flores se abrindo. Locke e Robertson entram no quarto, a conversa continua. Locke sai de quadro. A câmera fixa-se em Robertson e aos poucos vai deixando-o e volta-se para Locke, sem camisa, mais suado, continua trabalhando nos passaportes passando cola no lugar das fotos. Close no gravador. Locke aperta o stop.

A cena é quase muda. É um plano único de cerca de 10 minutos. Levou 11 dias da produção e nenhum efeito especial. Eu não me atreveria a escrevê-la, nunca, a única coisa que me atrevo a fazer é deixar o link aqui para vocês contemplarem com seus próprios olhos.

Zabriskie Point

2010-09-10T19:04:00.005-03:00

Zabriskie Point – Michelangelo Antonioni – 1970 (DVD)

ZABRISKIE POINT

“esta é uma área de descanço de lagos antigos depositados há 5 ou 10 milhões de
anos. Estes jazidos foram formados e feitos, empurrados por forças terrestres e
erodidos pelo vento e a água. Contém borato e gesso. Os montes amarelos são
chamados de Manly Beacon.”

Apesar das críticas negativas, de exaltados ensaios sobre a atuação amadora da dupla de protagonistas, e do anuncio público de fracasso feito pela Metro-Goldwyn-Mayer – que havia contratado o talentoso cineasta italiano para dirigir três filmes para o estúdio – Zabriskie Point é um tratado sobre o movimento hippie, seus desdobramentos, e suas conseqüências na sociedade.Configurado em cima do chamado cinema-verdade (cinéma-verité), Antonioni escalou o elenco com a maioria de atores amadores, a exemplo do casal principal, Mark Frechette e Daria Halprin. Frechette doou tudo que recebeu com o filme pra uma comunidade de Boston dedicada a astrologia, depois participou de alguns filmes b italianos e foi detido por assalto a banco. Na prisão, condenado há 15 anos, morreu de forma acidental. Daria, que foi descoberta por Michelangelo Antonioni num documentário underground chamado Revolution (1968), manteve uma relação rápida com Frechette após as filmagens, depois casou e divorciou-se do ator Dennis Hopper, com quem tem 1 filho. Afastou-se do cinema e hoje trabalha com terapia e educação pela arte.

Pelo menos numa cena os detratores da película foram unânimes em reconhecê-la como uma preciosidade psicodélica, é a orgia no deserto encenada pela companhia open theatre, onde vários casais nus fazem sexo cobertos de areia. A narrativa mistura revolução juvenil, panteras negras, filosofia hippie, psicodelismo e capitalismo. Tudo isso passa pelo casal Mark e Daria (seus nomes reais foram utilizados nas personagens, mais um dogma do cinéma-verité). Mark participa do encontro dos estudantes, discute e sai da reunião. Mais tarde ele é visto, e suspeito de atirar num policial, durante o confronto com a policia na revolta estudantil. Daria trabalha na imobiliária Sunnydunes Enterprises. O encontro dos dois é carregado de lirismo e sub referências.

A sensacional trilha sonora psicodélica reúne os grandes nomes da música a época, Pink Floyd, The Grateful Dead, Patti Page, John Fahey e Kaleidoscope. Dizem que Antonioni deu vários palpites nas composições de Roger Waters. Falam também que o cineasta rejeitou a composição L’America de Jim Morrison do The Doors.

O hoje astro Harrison Ford teve suas cenas excluídas na sala de montagem, mas fãs do ator perceberam que na cena da cadeia é possível vê-lo encostado na parede preta perto da porta. O final imaginado por Michelangelo Antonioni era num avião que escreveria a frase no céu, “FUCK YOU, AMERICA”, mas obviamente o presidente da MGM vetou. Ficou o recado.
Zabriskie Point não possui a alma de Antonioni, até pelos problemas com os produtores, censura norte-americana, e pelo tema polêmico, afinal falar contra capitalismo na terra do tio Sam é como detratar o futebol por aqui, mas é sem duvida um filme acima da média, e gosto muito de ler artigos em que o colocam como obra-prima. É por isso que Michelangelo Antonioni era gênio, mesmo quando errava era brilhante.

Cena de Cinema

2010-08-25T14:48:00.004-03:00

Blow-Up (Blow-Up – Michelangelo Antonioni – 1966 – DVD)

Interpretação da cena final:

O Eastmancolor realça ainda mais o verde criado por Antonioni com os cabelos loiros de David Hemmings, o fotógrafo do momento da Swinging London¹. Thomas está desolado. Não consegue encontrar no parque resquícios do corpo que fotografou sem querer. A rag week² invade a tela e o Maryon Park numa gritaria sem sentido. O fotógrafo observa. Os jovens param o jeep em frente às quadras de tênis, dois deles entram, o resto do grupo assiste à partida do lado de fora, pelo alambrado. Nos perguntamos, cadê a bola? Cadê as raquetes?

Thomas vive a vida através de suas fotos. A primeira cena dele no filme é saindo de uma mina juntamente aos trabalhadores e infiltrado lá para fotografar para seu novo livro. Depois observamos o quanto ele se leva a sério em negar fazer fotos para duas garotas que querem seguir carreira de modelo. Nos perguntamos, cadê fotógrafo? Cadê o profissional?

É engraçado notar que todos acompanham a “bola” indo com a cabeça de um lado a outro a ponto de uma espectadora se machucar com a “bola”. O que provoca sorriso irônico e incomodado de Thomas. O fotógrafo começa a perceber que ele faz parte daquele jogo. Sua vida faz parte daquilo. Afinal cadê o corpo Thomas?

A “bola” sai da quadra e vai parar atrás do fotógrafo. Todos olham para ele que sai correndo em direção ao nada, quer dizer, a “bola”, e faz o movimento de jogá-la novamente a quadra. E é justamente aqui que entra toda a grandiosidade do cinema de Michelangelo Antonioni, o soberano da simbiose imagem e roteiro, o mestre dos planos magníficos. Invés de seguir a “bola” contemplamos o rosto de David Hemmings num plano-norte-americano aberto, e para nossa surpresa ouvimos o som da “bola” indo de um lado pro outro. Agora, com um plano amplo e aberto e o fotógrafo no centro da tela, vemos seu desaparecimento sob nossos olhos. Segundo o cineasta seria o autografo de Thomas.

________________
¹ Swinging London é o termo usado para descrever a efervescência cultural e o modernismo de costumes da cidade de Londres, e dali para o mundo, durante a segunda metade dos anos 1960.

² A Rag Week é uma semana que ocorre em várias universidades britânicas, uma vez por ano letivo, em que os estudantes tentam angariar dinheiro, para caridade, através de várias atividades da maneira mais divertida possível.

Blow-Up - Depois Daquele Beijo

2010-08-16T17:28:00.006-03:00

Blow-Up – Michelangelo Antonioni – 1966 (DVD)

Consagrado na Itália, Michelangelo Antonioni assina com a MGM e o produtor italiano Carlo Ponti para rodar três filmes. Blow-up é o primeiro deles. Para o cineasta, tanto a Londres dos anos 60, como uma sensação de “sensualidade fria e calculista” são fundamentais para o mistério de sua película. O clima erótico fez com que fosse proibido de estrear em alguns países, principalmente por causa da cena da orgia.A genialidade de Antonioni em construir cenas cinematograficamente perfeitas tem aqui seu veículo mais apropriado na história do fotógrafo-celebridade-boçal que trata as pessoas como imagens e vive no mundo materialista. Os frames são de qualidade poucas vezes vista na história do cinema, os enquadramentos perfeitos remetem a profissão do protagonista, uma cena em particular deixa isso evidente, é no momento em que o fotógrafo faz fotos para um editorial de moda em seu estúdio, várias modelos, simetricamente separadas, posam enquanto algumas paredes de vidro dividem o cenário, a câmera de Michelangelo percorre a cena com esmero, não deixando de lado o propósito dela estar ali.

O fotógrafo Thomas (o bom ator David Hemmings que hoje interpreta papéis menores em filmes como Jogos de Espiões (2001), e Gladiador (2000) entre outros), faz fotos num parque londrino quando nota a presença de um casal namorando, suas lentes passam a focar nos amantes, uma bonita jovem e um coroa. Sua insistência acaba despertando a atenção dos pombinhos, e a jovem então vai tirar satisfações e Thomas acaba argumentando que o local é público. Mais tarde, já em sua residência ele recebe a visita da jovem que se chama Jane (Vanessa Redgrave) que faz de tudo para conseguir os negativos das fotos do parque, e acaba sendo enganada por Thomas, que depois percebe que fotografou um assassinato.

Palma de Ouro no Festival de Cannes de 1967 é o primeiro filme britânico que mostra nudez feminina frontal, assim como é a primeira película de Michelangelo Antonioni falada em inglês. Seu perfeccionismo com a imagem levou a produção a pintar de verde à grama do Maryon Park, pois o diretor não estava contente com a cor real.Blow-up foi baseado no conto “Las Babas Del Diablo” do belga naturalizado argentino Julio Cortázar, que faz uma ponta no filme como mendigo. O escritor já foi outras vezes adaptado para o cinema, inclusive o nosso, com o mediano Jogo Subterrâneo (2005) e A Hora Mágica (1998).

Para quem gosta de fotografias, as ótimas fotos do filme é do excelente fotógrafo londrino Don McCullin, que você conhece mais clicando aqui.

A Rag Week, que está presente em quase todos os momentos da película, inclusive na cena final é uma semana que ocorre em várias universidades britânicas, uma vez por ano letivo, em que os estudantes tentam angariar dinheiro, para caridade, através de várias atividades da maneira mais divertida possível.

A cena final é uma das mais criativas e sensacionais da história do cinema mundial.

As Armas Secretas

2010-08-03T16:07:00.002-03:00

As Armas Secretas – Julio Cortázar – 2009 (Livro)

Inédito no Brasil até o ano passado, o livro de contos As Armas Secretas traz o inesquecível conto As babas do diabo, que inspirou Michelangelo Antonioni a realizar a sua obra-prima mais popular, Blow-Up (1966).

Trazido ao mundo editorial dos órfãos brasileiros pela José Olympio Editora, e vendido na saraiva por módicos R$ 13,90 (compre aqui), As Armas Secretas é publicação feita para estar em biblioteca de cinéfilos.

Cortázar celebra a fotografia no parágrafo: “Entre as muitas maneiras de se combater o nada, uma das melhores é tirar fotografias, atividade que deveria ser ensinada desde muito cedo às crianças, pois exige disciplina, educação estética, bom olho e dedos seguros. Não se trata de estar tocaiando a mentira como qualquer repórter, e agarrar a estúpida silhueta do personagem que sai do numero 10 de Downing Street, mas seja como for quando se anda com a câmara tem-se o dever de estar atento, de não perder este brusco e deliciosos rebote de um raio de sol numa velha pedra, ou a carreira, tranças ao vento, de uma menininha que volta com um pão ou uma garrafa de leite”.

O autor tece sua história sem saber em que pessoa contar, “...se na primeira ou na segunda pessoa, usando a terceira do plural, ou inventando constantemente formas que não servirão para nada”. E preocupado, a todo momento, com o tempo e o formato das nuvens (agora passa uma nuvem quase negra).

Alguns trechos do conto foram traduzidos quase instantaneamente para o filme. “A mulher disse que ninguém tinha o direito de tirar uma fotografia sem permissão, e exigiu que eu lhe entregasse o rolo do filme. Tudo isso com uma voz seca e clara, com sotaque de Paris, que ia subindo de cor e de tom a cada frase. Por mim, tanto fazia dar ou não o rolo do filme, mas qualquer um que me conheça sabe que, comigo, as coisas têm de ser pedidas com jeito. O resultado é que me limitei a formular a opinião de que a fotografia não só não estava proibida nos lugares públicos, como conta com o mais resoluto serviço social e privado”. (insistir cansa, mas acabam de passar duas nuvens desfiadas).

O Deserto Vermelho

2010-07-29T16:33:00.005-03:00

Il Deserto Rosso – Michelangelo Antonioni – 1964 (DVD)

- Porque a fumaça é amarela?
- Porque é tóxica.
- Então se um passarinho voar nela morre?
- Mas os passarinhos já sabem e não passam mais nela.

O diálogo entre mãe e filho do final do filme é revelador da alma de O Deserto Vermelho, sugestivo e sensível.Giuliana (Monica Vitti – o enigma em forma de mulher) é uma mulher neurótica casada com o engenheiro industrial Ugo (Carlo Chionetti). Após sofrer um estranho acidente, ela está às voltas em abrir uma loja. Numa visita a fábrica onde o marido trabalha, ela conhece Corrado (Richard Harris), e se sente atraída por ele.

O primeiro trabalho de fotografia colorida de Michelangelo Antonioni é também o marco inicial de uma de suas principais características, o uso da cor para expressar sentimentos das personagens, e não à toa o filme usa-o até no título. O Deserto Vermelho é amarelo (perigo), verde (renovação), bege/rosa (calma, tranqüilidade), branco (artificial, mentiroso), cinza (expurgo) e, obviamente, vermelho (paixão, traição, desejo). O cineasta usa a cor como trilha sonora, como uma criança que ganhou um brinquedo que tanto queria. A cena da parábola é estarrecedoramente linda.A equipe de produção do filme precisou de trabalho extra como pintores, até as árvores foram retocadas para receber tinta branca, isso porque a película utilizada, Eastmancolor, necessita de branco puro para que possamos enxergar o cinza. Apesar dos esforços, tudo foi em vão, já que o sol estragou tudo, O Deserto Vermelho é um marco do cinema colorido.

Aqui também é o inicio do uso, pelo diretor, de teleobjetivas e zooms para passar a sensação de opressão psicológica e colocar as personagens mais perto um do outro. Em algumas cenas, a personagem de Monica Vitti parece estar agarrada as paredes.A fotografia de Carlo Di Palma, colaborador também de Woody Allen, marca o inicio da parceria com Michelangelo Antonioni, que viria se repetir em Blowup (1966) e Identificação de uma Mulher (1982). O cineasta austríaco Fritz Lang considerava a fotografia da película a mais bela de toda a história do cinema, assim como para Martin Scorsese que o listou entre as dez mais belas.

O Deserto Vermelho surgiu do choque que Antonioni teve ao visitar Ravenna, cidade vizinha a sua Ferrara natal. A paisagem natural que dava forma agora às indústrias deixou o cineasta letárgico e o inspirou para a trama do filme. A neblina e a poluição refletem o comportamento de Giuliana. É uma obra-prima ímpar do cinema mundial.

Parábola do Mês

2010-07-27T15:48:00.004-03:00

A menina morava numa ilha.

Ficar entre os adultos a aborrecia e dava medo. Os rapazes da sua idade não a agradavam por isso estava sempre só.

Entre as gaivotas e os coelhos selvagens.

Tinha descoberto uma pequena praia afastada onde o mar era transparente e a areia rosa.

Adorava o lugar.

A natureza tinha cores lindas e nada fazia barulho.

Ia embora ao pôr do sol.

Certa manhã surgiu um veleiro.

Os barcos que passavam por lá eram geralmente diferentes. Este era mesmo um veleiro! Dos que atravessavam os mares e tempestades do mundo todo, e talvez fora do mundo.

Visto de longe fazia efeito, de perto parecia misterioso. Não se via ninguém a bordo. Ficou perto por pouco tempo e logo começou a virar, se afastando, silenciosamente, como havia chegado. A menina estava habituada aos caprichos dos homens, nem ligou. Mas apenas chegou à margem, eis que...

Um mistério, sim, dois não. Quem cantava? A praia estava deserta. Mas a voz estava ali. Ora perto, ora longe. Houve um momento que pareceu vir do mar...

Ou de trás das pedras. Tantas pequenas pedras, não dava mais para perceber, eram como se fossem de carne a voz naquele ponto, era muito doce. Mas quem cantava? Todas cantavam. Todas.

* Extraída do filme O Deserto Vermelho (1964) de Michelangelo Antonioni, narrado em off. Disponível em DVD.

O Eclipse

2010-07-20T16:18:00.004-03:00

L’eclisse – Michelangelo Antonioni – 1962 (DVD)

Gostaria de não amá-lo ou amá-lo muito melhor.

Para Antonioni, que estava obcecado filmando um documentário sobre o eclipse do sol em Florença, existe um significado importante nesse acontecimento da natureza: “Tudo o que consigo pensar é que, durante o eclipse, provavelmente até os sentimentos ficarão parados”. E, de algum modo, o filme surgiu daí.

Alguma certeza deve porém existir, se não a de amar bem, ao menos a de não amar.Depois de 3 anos de relacionamento, Vittoria (a eterna musa de Michelangelo Antonioni, Monica Vitti) e Riccardo (Francisco Rabal) decidem terminar a relação, apesar dele ainda querer alguma coisa, o esgotamento emocional da relação deixam os dois exaustos e o ponto final é a única solução.

Vittoria parte atrás da mãe, uma investidora compulsiva, na bolsa de valores, lá não conseguem conversar direito, e ela acaba conhecendo o corretor Piero (Alain Delon) e surge um interesse romântico.

O dinheiro é o elemento externo que indiretamente afeta todas as relações, inclusive a sexual.Grande parte das cenas da película foram filmadas na E.U.R. (Esposizione Universale di Roma) um bairro residencial imaginado por Mussolini com a intenção de combinar o estilo da Roma antiga com a arquitetura moderna em grande escala. A escolha dessa locação é essencial para as finalidades de Michelangelo Antonioni. Em O Eclipse o cineasta reflete sobre o impacto que a vida urbana e seus bairros planejados exercem sobre seus imperfeitos habitantes.

O filme marca o fim da chamada trilogia da incomunicabilidade, que começou com A Aventura (1960), e passou por A Noite (1961). E mais uma vez o trabalho do diretor de fotografia Gianni Di Venanzo é primoroso.

A cena final é mais uma obra-prima do mestre Antonioni, é quase uma parte fora do filme, cheia de cortes e interpretações, a última seqüência realça ainda mais o trabalho de Gianni.

Apesar das poucas músicas em sua filmografia, O Eclipse é recheado de canções e trilhas incidentais. A cantora italiana, famosa nos anos 60 e 70, Mina, gravou L’eclisse Twist, canção que abre os créditos, enquanto a película é pontuada pelas composições de Giovanni Fusco, constante colaborador do cineasta.

A Noite

2010-07-15T17:07:00.005-03:00

La Notte – Michelangelo Antonioni – 1961 (DVD)

- Aonde vai? Espere um pouco. Vamos conversar. Conte-me algo.
- Mais tarde venho cobri-la e contar uma linda fábula.
- Finja que já estou na cama.
- Mais tarde... Contarei a história de um eremita. Intelectual, é claro. Por anos ele se alimentou de orvalhos, e na cidade deram-lhe vinho, e ele tornou-se um alcoólatra.

Os créditos iniciais são mostrados através de um elevador que parte de fora de um grande edifício de Milão. O vidro e o concreto rodeiam a cidade abaixo, é a deixa do cineasta para mostrar que a arquitetura interferirá na sua história.Finalmente Antonioni havia alcançado um lugar de respeito dentro da indústria de cinema italiana. Em A Noite ele pôde filmar em Milão e com atores conhecidos e respeitados internacionalmente, o italiano Marcello Mastroianni, que havia finalizado La Doce Vita (1960) de Federico Fellini, e a francesa Jeanne Moreau que tinha concluído com Louis Malle, Os Amantes (1959). A história se passa em tempo real. Acompanhamos o casal Giovanni Pontano (Mastroianni), um escritor, e Lidia (Moreau), sua mulher, numa visita a um amigo enfermo, depois a uma livraria para autografar, para grandes personalidades, exemplares de seu novo livro, La Stagione. É quando se desencontram e passamos a acompanhar Lidia pelas ruas pobres da cidade, até se reencontrarem novamente, voltarem para casa, e se arrumarem para ir a um restaurante assistir a um show, e depois esticar a noite numa festa na casa de um milionário que é fã de suas publicações.O que importa é o que diz, não as intenções.

A Noite é a segunda parte da chamada trilogia da incomunicabilidade, como os críticos denominaram. O casal protagonista passa por um momento de crise. A fama e a intelectualidade dele parecem-no cegar diante da companheira, que apesar da vida que leva, busca sempre a simplicidade e os contatos mundanos, como mostra a cena em que ela ri diante de dois homens que passam e contam piada na rua, ou quando ela interrompe aos gritos uma briga entre dois jovens.Giovanni Pontano foi um poeta e humanista italiano do século XV. Michelangelo Antonioni pegou seu nome para batizar a personagem de Mastroianni que, no filme, escreveu o livro chamado La Stagione (A Estação do Ano). Mais uma vez o cineasta deixou sua eterna musa como à principal chave da trama. Monica Vitti é a responsável pelo momento de reflexão que o casal sofre. Interpretando Valentina, Monica parece atrair as imagens de Antonioni, sua presença na tela mostra o quanto essa parceria foi importante para a sétima arte.

A Aventura

2010-07-08T12:00:00.006-03:00

L’avventura – Michelangelo Antonioni – 1960 (DVD)

Claudia experimenta anéis. Tirando e colocando no dedo ela estica o braço para vê-lo numa perspectiva maior. Em seu colo repousa uma caixa que parece estar cheia deles. Ela os olha, mas de repente joga a caixa em cima da cama. Entediada, se levanta sem ter noção de onde ir. Ouve um barulho que a deixa curiosa. Vai até a janela, mas parece não ver direito o que é. Curiosa e rapidamente sai do quarto em direção a outro aposento com uma imensa varanda ao fundo. Ao passar pela porta, sutil e suavemente, deixa a mão se apoiar em sua extremidade. A câmera paralisa e Claudia vai até o fim da varanda ver o que a chamara a atenção. Nós, espectadores, ficamos com a visão da câmera, e quer saber? Vale muito mais a pena.

Para a British Film Institute é o segundo melhor filme da humanidade, atrás de Cidadão Kane (1941). Foi escolhido também pela prestigiosa revista Sight and Sound uma das vinte melhores películas do mundo. É considerado a primeira parte do denominado – pelos críticos – trilogia da incomunicabilidade. A Noite (1961) e O Eclipse (1962) formam os filmes restantes. A Aventura passou por um processo complicado para chegar ao sucesso. O lugarejo escolhido pela produção, Lisca Bianca, não tinha nenhuma estrutura como água quente e eletricidade, a equipe e atores passavam a maior parte do tempo no Iate, que foi confiscado pelo proprietário por falta de pagamento, devido à falência da companhia que financiava a película. Mais tarde, o Ministério da Justiça italiano resolveu classificar o filme como pornográfico, vetando a exibição em Milão. Uma ordem judicial posterior permitiu a exibição algum tempo depois. E não parou aí. Sua estréia em Cannes foi um desastre. Críticos riam e bocejavam durante a projeção, mas na manhã seguinte uma carta aberta, assinada por 37 grandes escritores, incluindo Roberto Rossellini, condenou os detratores e festejou o aparecimento de tão inovadora película como um evento cinematográfico grandioso. Ganhou o prêmio do juri, uma outorga pelas belas imagens e uma linda homenagem no cartaz do Festival de 2009.Segundo Antonioni o filme é um mistério ao contrário.

Sandro (Gabriele Ferzetti) é um arquiteto que ficou rico renunciando suas inquietações artísticas. Ele mantém uma relação com Anna (Lea Massari), filha de um milionário, mas que está sempre insatisfeita e mal-humorada. Anna é amiga de Claudia (Monica Vitti), e os três partem juntos, com mais alguns amigos, para um passeio de Iate numa ilha deserta. Durante uma parada, Anna desaparece.Em italiano, a palavra L’avventura significa muito mais que uma aventura apenas, tem a ver com arremessar, precipitar. É interessante perceber como o cineasta sempre buscou a dualidade e ela, de certo modo, sempre esteve ao seu lado. A Aventura é o filme mais característico do cinema de Michelangelo Antonioni. Podemos afirmar que aqui começa o Antonionismo. Possui toda sua grife, seu charme e sua marca estão impressas em cada frame que se vê na tela. A Aventura não é e nunca foi um filme – o pessoal que o vaiou em Cannes tinham alguma razão – A Aventura é uma obra de arte, e como tal é necessário tempo para apreciá-la.

“Meu filme não é nem uma denúncia nem um sermão. É uma história contada por imagens e eu desejo que se possa ver não o nascimento de um sentimento enganador, mas o modo pelo qual podemos nos enganar nos sentimentos. Pois, repito, nós utilizamos uma moral envelhecida, mitos caducos, velhas convenções. E isso de plena consciência. Por que nós respeitamos uma tal moral?

A conclusão à qual meus personagens chegam não é a anarquia moral. Eles chegam, na verdade, a uma espécie de piedade recíproca. Isso também é velho, vocês me dirão. Mas o que nos resta se isso?

Por exemplo, o que vocês crêem que seja esse erotismo que invadiu a literatura e o espetáculo? É um sintoma, o mais fácil de perceber talvez, da doença que afeta os sentimentos.Nós não seríamos eróticos, ou seja, doentes de Eros, se Eros fosse uma boa saúde. E, dizendo boa saúde, quero dizer simples, adequada à medida e à condição do homem.

Há então uma doença. E como acontece sempre quando há uma doença, o homem reage. Mas ele reage mal e fica infeliz por conta disso.

Em A Aventura, a catástrofe é uma impulsão erótica desse gênero: barata, inútil, infeliz. E não basta saber que é assim. Pois o herói (que palavra ridícula!) de meu filme percebe inteiramente da natureza grosseira da impulsão erótica que o domina, de sua inutilidade. Mas isso não basta.

Eis um outro mito que cai, essa ilusão de que basta SE CONHECER, analisar-se minuciosamente nas dobras mais recônditas da alma.

Não, isso não basta. A cada dia se vive "A Aventura", seja uma aventura sentimental, moral ou ideológica.

Mas, se nós sabemos que as velhas tabas da lei não oferecem mais que um verbo por demais decifrado, por que permanecemos fiéis a essas tabas? Eis uma obstinação que me parece tristemente comovente.

O homem, que não tem medo do desconhecido científico, tem medo do desconhecido moral”.

Michelangelo Antonioni
(Texto publicado originalmente em Cinéma 60, nº 50. Tradução de Ruy Gardnier)

Crimes d’Alma

2010-06-29T15:23:00.005-03:00

Cronaca di un Amore – Michelangelo Antonioni – 1950 (DVD)

“O universo não é nada, senão amor”. Foscolo.

Um filme de Michelangelo Antonioni é sinônimo de obra-prima. Não estou falando que todas as suas películas sejam perfeitas, mas é notável que a grande maioria de suas produções estão no topo dos maiores do cinema mundial, desconfie de qualquer lista que fuja a esta regra.

Crônica de um Amor (não vão pelo título nacional) é mais um do mestre classificado como obra-prima. Sua temática que mistura neo-realismo italiano, film noir, e Antonionismo é uma clássica história de amor mesclada nesses temas.Paola (a lindíssima miss Lucía Bosé) é uma jovem casada com um industrial que contrata um detetive para investigar o seu passado. O investigador acaba atraindo a atenção de Guido (Massimo Girotti), um ex-namorado de Paola. A exceção de Massimo, todo o elenco era desconhecido.

Sempre que penso nisso, aquela comédia me vem a mente...como se chama?... Bom, dizia que o amor de uma mulher pelo marido se mede pelas enxaquecas.Apesar de não incluir cenas de assassinato, não se alongar nas cenas de detetive, e não obter fotografia escura e predominantemente noturnas, o filme flerta a todo o momento com o noir, ao mesmo tempo em que coloca a realidade italiana do pós-guerra (o neo-realismo), principalmente na disputa entre o industrial e o ex-namorado pobre, passando pelo Plano Marshall que ajudou a Itália e a setores da indústria automobilística a se recuperarem da guerra. Reparem também como a bela trilha sonora de Giovanni Fusco sugere o clima noir.A atriz Lucía Bosé, que foi miss Itália e aqui faz seu début no cinema, é considerada musa do neo-realismo italiano, trabalhou com os grandes nomes do cinema mundial, Dino Risi, Luis Buñuel e Federico Fellini, e claro Michelangelo Antonioni. Casou-se com o toureiro espanhol Luis Miguel Dominguín com quem teve dois filhos, Paola e Miguel Bosé, famoso cantor espanhol. Há época do filme Lucía tinha apenas 19 anos.

Michelangelo Antonioni afirmou que a trama girava em torno da questão financeira numa entrevista em 1980: “O filme trata de dinheiro, e o que me recordo de mim mesmo àquela época era que não o tinha. E isto é muito importante, no que acredito que o enfoque da história tivera esse ponto de vista”.

Crônica de um Amor é o primeiro longa-metragem de Antonioni, e é uma grande mostra do que viria a ser sua filmografia como cineasta. Optando por usar tomadas únicas, movimentos coreografados e câmeras imóveis e voyeurísticas, o diretor italiano chama a atenção da bíblia cinematográfica Cahiers du Cinéma que discorre um artigo sobre uma tomada longa e sem cortes, mas altamente necessária, em uma ponte onde os protagonistas ficam em conflito quando enfrentam a realidade do plano que elaboraram. A cena é espetacular e genial. Ela traça uma tomada que começa de um ponto e num movimento de 360º termina do ponto que se originou. Vejam (ou babem) com os seus próprios olhos.

Amores na Cidade

2010-06-16T16:00:00.002-03:00

L’amore in Città (Tentativa de Suicídio) – Michelangelo Antonioni – 1953 (DVD)

O roteirista italiano, e um dos precursores do movimento neo-realista, Cesare Zavattini convidou os cineastas Federico Fellini, Alberto Lattuada, Carlo Lizzani, Francesco Maselli, Dino Risi e Michelangelo Antonioni, todos de alguma forma ligado ao movimento, para contarem uma história envolvendo amor na cidade Roma.

Antonioni aparece com o semi-documental segmento Tentativa de Suicídio, onde usa entrevistas com um grupo de pessoas que já tentaram tirar a própria vida por desilusões amorosas.

O grande mote de Amores na Cidade é o neo-realismo italiano, movimento que ganhava corpo e crescia no mundo. Apesar de Michelangelo Antonioni e Federico Fellini participarem do filme é notório que não são grandes nomes vinculados ao movimento. Os dois grandes diretores criaram um tipo de cinema que não se encaixam em rótulos ou estéticas cinematográficas, apesar disso fizeram do neo-realismo um aprendizado para suas carreiras, e é sensacional enxergar como isso tem uma influência enorme no trabalho e filmografia tanto de Fellini como de Antonioni. É como um pintor que desenvolve uma técnica nova, mas ainda utiliza-se de métodos que aprendeu outrora.É interessante observar as primeiras percepções de Michelangelo sobre a estética cinematográfica. Ainda insipiente, ele tinha dirigido na época apenas 3 longa-metragens, percebe-se sua preocupação com enquadramento e posicionamento de câmera.

As histórias foram retiradas de jornais e algumas personagens são interpretadas por pessoas que realmente viveram o fato. O filme nunca foi exibido no Brasil.

O Grito

2010-06-07T17:36:00.003-03:00

Il Grido – Michelangelo Antonioni – 1957 (DVD)

IN QUESTA DROGUERIA CHI NON PAGA TORNA VIA
NESTA MERCEARIA, QUEM NÃO PAGA VOLTA DE MÃOS VAZIAS

Um grito ecoa da tela. Uma mulher desesperada solta o barulho com o rosto atônito. Seus olhos olham para cima e parecem seguir algo que cai em sua frente. Suas mãos denunciam o desespero que o som já proporciona. A câmera continua imóvel focalizando aquela mulher, quer dizer, focalizando O Grito.

O Grito foi o primeiro sucesso de Michelangelo Antonioni. Ainda guarda resquícios do cinema conhecido como neo-realismo italiano, e pelo qual Antonioni começou a seguir nos seus primeiros passos, mas rapidamente criou identidade e personalidade própria fugindo do movimento e ao mesmo tempo criando um outro, o seu.Foi também a primeira oportunidade que o cineasta teve de dirigir atores de Hollywood, mesmo sem serem grandes estrelas do cinemão norte-americano, Steve Cochran e Betsy Blair eram famosos o bastante para serem considerados estrelas internacionais. Betsy então era casada com Gene Kelly. O Grito marca o encontro de Michelangelo com a sua eterna musa Monica Vitti, que trabalha aqui como dubladora da atriz norte-americana Dorian Gray, que tem um papel de destaque como Virginia, dona do posto de gasolina na estrada com quem Aldo mantém um relacionamento.

A película narra o fim do caso extraconjugal de Aldo (Cochran) e Irma (Alida Valli) quando ela descobre a morte do marido. Para Aldo é a oportunidade de finalmente casar com ela e legitimar a relação que já rendeu uma filha. Porém Irma confessa que ama outro homem, e Aldo resolve partir com a filha numa viagem pelo interior da Itália num típico road-movie.O belíssimo preto e branco do filme, que foi bastante elogiado e premiado na época, é de Gianni Di Venanzo, que trabalhou com Antonioni na maioria de seus filmes em P&B.

O Grito consegue expor de maneira clara os sentimentos de uma personagem que vaga sem objetivo na vida, ao mesmo tempo consegue fazer dela, a personagem, uma pessoa sem muitas aspirações, criando uma dualidade que culmina na cena final e numa grande interrogação quanto à sua verdade, e para mim é nisso que faz de O Grito ser uma obra-prima. Reparem nas imagens que ilustram esse post, são enquadramentos perfeitos e momentos congelados vívidos por interpretações.

Numa cena, Aldo explica a prostituta Andriela (Lynn Shaw) como conheceu sua amada e se apaixonou por ela. Andriela então fica indignada e pergunta como acaba? O que acontece?

Vontade de?...

2010-06-01T14:01:00.004-03:00

Tem total consciência de tê-lo magoado. Deixar um amante depois de seis anos de vida em comum não é brincadeira. Por isso pede aos amigos que não o deixem sozinho, que o ajudem a superar esses momentos difíceis. Não passou um dia e já estão todos em cima dela como corvos. Telefonam, querem marcar encontros, escrevem cartões, chegam até a mandar flores. É a primeira vez na vida que recebe flores. Quando pede notícias do ex-amante, dizem-lhe que está bem e ela não consegue saber se estão dizendo a verdade. Gostaria de certificar-se disso pessoalmente, mas seu gesto seria considerado por ele uma maneira de reconsiderar a decisão e teria como resultado abrir uma situação já fechada. Mas é estranho que ele não dê sinal de vida. Suspeita que os amigos estejam lhe contando sabe-se lá o que, talvez que ela o traísse. Decide falar com o filho dele, de dezessete anos. Este faz o gênero franco, explícito, e logo a interrompe.

- Por que você está atrás dele? Está com vontade de trepar?

Ela gira o corpo em sua direção. Emite uma voz azeda, que não é a sua.

- Vontade de?...

O garoto sai batendo a porta. E é aquela pancada que lhe permite entender sem possibilidade de equívocos que sua vida definitivamente mudou, que está recomeçando do zero.

Que está sozinha e não deve ter piedade. Que não é esse sentimento que irá ajudá-la na vida.

Conto integrante do livro O Fio Perigoso das coisas e outras histórias – Idéias para possíveis filmes transformadas em contos escritos com a precisão de um mestre. Lançado pela Editora Nova Fronteira 1990. Livro mais que obrigatório na estante de um cinéfilo. Na publicação, Michelangelo Antonioni divide com o leitor seu processo de criação através de pequenos contos onde, em alguns deles, faz um pequeno resumo do projeto e explica o que não deu certo.

Michelangelo Antonioni

2010-05-27T13:40:00.028-03:00

Ferrara 29 de setembro de 1912. O choro que se ouve a distância nos é familiar. Nasce, numa família de classe-média, um pequeno italiano. Olhando ao redor é impossível não se encantar com o que os olhos enxergam. São imagens únicas, poéticas, fortes. São paisagens que fazem as pupilas dilatarem. A alegria do nascimento daquele bebê contagia a todos, que riem e se abraçam, enquanto o ator principal daquele espetáculo chora sem parar. Estamos na maravilhosa província da região de Emília-Romanha, no norte da Itália, a “primeira cidade moderna da Europa”, segundo o historiador suíço do século 19 Jacob Burkhardt. Ferrara é a cidade da Renascença, é calma e silenciosa, e isso tudo foi preponderante na vida daquele recém-nascido batizado Michelangelo Antonioni.

Já criança, o bebê se interessa por marionetes e pela arquitetura. Adolescente se fascina pela pintura e pelo tênis, o que lhe abre as portas do mundo dos milionários do clube de tênis Marfisa. Apesar das atividades, o jovem segue o caminho das ciências econômicas, se graduando na Universidade de Bolonha. Paralelamente ainda sonhava com as artes, o teatro mais especificamente, colaborando como ator, dramaturgo e cenógrafo em pequenas peças encenadas em Ferrara e Bolonha. Aos 23 anos ele escreve sua primeira obra, O Vento (Il Vento – 1935), que o leva ao mundo onde ele viria a se encontrar, o cinema.

Ravenna 1964. O barulho de uma máquina impossibilita qualquer conversa ali perto. Um homem numa escada segura uma mangueira que jorra tinta branca numa árvore. Antonioni olha com atenção o trabalho dele. Atrás se vê fábricas com suas chaminés expelindo fumaça. Aquilo tudo já está na cabeça do cineasta. Estão ali para rodar O Deserto Vermelho (1964) seu primeiro filme colorido, e as novas matizes das câmeras não captam tão bem a cor real das árvores.

Cinéfilo e estudioso começou a escrever críticas de filmes para um jornal de Ferrara. Mais tarde passou a dissertar em revistas cinematográficas renomadas como Bianco e Nero (Preto & Branco) e a famosa Cinema, que era dirigida por Vittorio, filho de Mussolini. Antonioni era apolítico, seus ensaios abordavam sempre questões relacionadas às técnicas e foi assim que o diretor entrou na sétima arte. Seu fascínio pelos processos o fez realizar seu primeiro filme, um curta-metragem, feito em uma única tomada em 1943.

1985. O ano prometia. Seria bastante produtivo para o cineasta, trabalhava numa adaptação de um conto que escrevera em 1976, mas sua saúde não era mais a mesma, um derrame o paralisou completamente seu lado direito, sua fala ficou comprometida, sua vida ameaçada, seu trabalho suspenso.

O cineasta na maioria de seus filmes foi relutante em usar música porque sentia necessidade em ser seco, de dizer o menos possível sobre as coisas, e usar o menor número de mídias. Ele tinha confiança na eficácia da sugestão das imagens, apesar disso ele adorava utilizar ruídos como instrumento de trilha. Humanista, o cinema de Michelangelo atacava em três frentes, a imagem, a psicologia das personagens e o som (ou a falta dele). Inovador à época, Antonioni mudou a história da sétima arte e se transformou no cineasta mais influente do cinema como o conhecemos hoje.

Porém o mais sensacional disso tudo é que é praticamente impossível dissociar uma coisa da outra nas películas de Michelangelo, ou seja, a fotografia, o roteiro e a trilha trabalham juntos e com o mesmo intuito, separadas não possuem marca. Quando pegamos a imagem de Monica Vitti saindo de uma porta rumo à varanda com a paisagem se abrindo lá fora ao som do barulho do seu salto, seu significado está incutido em tudo isso, o enorme vazio interior da personagem é citado pelo céu que se abre diante dela e na sua preocupação em correr para ver que barulho de carro é aquele. Por isso e muito mais é que tentaremos dissecar nessa jornada aqui no Museu o mito de Michelangelo Antonioni, o melhor cineasta de todos os tempos. E para isso dividiremos essa retrospectiva em antes e depois do colorido com os filmes:

Preto & Branco: Crimes d'Alma (1950), Amores na Cidade (1953), O Grito (1957), A Aventura (1960), A Noite (1961), e O Eclipse (1962). Colorido: O Deserto Vermelho (1964), Blow-Up (1966), Zabriskie Point (1970), Profissão: Repórter (1975), Identificação de Uma Mulher (1982) e Eros (2004). Todos eles lançados em DVD.

Fará parte também dessa revisita à filmografia de Michelangelo, alguns contos (seu processo de criação cinematográfica começava com pequenas histórias) que escrevera e que nunca foram transformados em filmes, a exemplo de O Horizonte dos Eventos, Vontade de?, e Dois Telegramas, esse último estão querendo transformar em película. Esses contos são parte do livro publicado pela editora Nova Fronteira em 1990, O Fio Perigoso das Coisas, de autoria do mestre.

Já acometido da doença que paralisou uma parte de seu corpo, o diretor deu uma entrevista a jornalista do New York Times Rick Lyman. Ao final o cineasta foi questionado: se no mundo não houvesse filmes, o que faria? Respondeu categoricamente: filmes.

Antonioni, de certa forma, assim o fez.

Michelangelo Antonioni (1912 - 2007).

O Horizonte dos Eventos

2010-05-23T20:19:00.008-03:00

“Mesmo ignorando como o mundo teve origem, só de observar os movimentos do céu e muitas outras coisas, posso ter certeza de que o mundo não foi criado para nós por uma vontade divina: tantos são os males que contém.”
Lucrécio (séc 1 A.C), De rerum natura (Sobre a natureza das coisas), V 195-99.

O HORIZONTE DOS EVENTOS

O Horizonte de Eventos é uma fronteira imaginária ao redor de um buraco negro a
partir da qual a força da gravidade é tão forte que nem a própria luz pode
escapar de um buraco negro pois sua velocidade é inferior a velocidade de escape
do buraco negro , e onde há um paradoxo físico quando as leis da nossa física
não podem ser aplicadas pois resultam absurdos matemáticos.

"Numa manhã de novembro, alguns anos atrás, eu estava sobrevoando a Ásia central soviética. Olhava para o deserto imenso que confina a leste com o mar de Aral, esbranquiçado e inerte, e pensava em L'aquilone*, o filme que rodaria na primavera naquela região. Uma fábula, um mundo que nunca foi o meu, por isso me atraía. E eis que, enquanto me entrego a essa fábula e a observo aderir-se docilmente a paisagem sob mim, sinto-me escorregar para pensamentos distantes. É sempre assim. Todas as vezes que estou prestes a começar um filme, me vem à idéia de outro.

Esse outro nasce de uma viagem num pequeno avião em um dia tempestuoso na Itália. Nuvens imensas, chuva, vento. Um vento duro e constante, cinzento como às nuvens. Do lado de fora da janela as nuvens passam velozes. O avião sofre vibrações secas e empenadas e deslocamentos repentinos. Até ao perigo a gente se acostuma, com um pouco de paciência. Quase de súbito as nuvens param, temos a sensação de que o avião vai cair. Mas não, ele é atirado para o alto onde acabou de estrondar um raio. Antes a intensidade do cinza era determinada pela espessura das nuvens, agora pelos relâmpagos amarelos que as dilaceram.

Atravessamos cinco temporais. Na chegada fico sabendo que durante o quarto, outro avião de turismo caiu. Nenhum sobrevivente. Trazia a bordo seis passageiros e o piloto... "

E assim seria mais um filme de Michelangelo Antonioni, na minha opinião, a maior obra-prima que o cinema viria a ter. Por destino, a sétima arte ficou órfã desse projeto que misturaria filosofia, ação, mistério e ciência. Seria uma conexão de 2001 – Uma Odisséia no Espaço (1968), que Antonioni era fã, com a filmografia humanista do cineasta italiano.

Tudo que restou dessa maravilha foram rascunhos onde ele discorre sobre a vida dos passageiros daquele fatídico vôo. Um rico casal de industriais, um escritor, a sua amante, um ex-deputado, uma mulher de meia-idade, e o piloto. Antonioni traça o perfil deles e conta porque estavam reunidos ali.

Após o acidente a trama se concentra num modesto cabo do exército que não sabe o que fazer com o resto da aeronave que se espatifara no morro, enquanto isso um padre, um grupo de curiosos e jornalistas passam pelo local e são destronados pelo diretor.

No final apoteótico, Antonioni parece ninar narrando para nós como se fosse uma aula de astronomia.

* Projeto inacabado.

Dente Canino

2010-05-18T16:34:00.003-03:00

Kynodontas – Giorgos Lanthimos – 2009 (DVD)

“Ainda não estão preparados para entrarem no 2º nível de treinamento (...) e esperem que o ensinemos a se comportar”.
Acredito em dois tipos de cinema. O comercial e o artístico. O comercial é feito para agradar o público, é auxiliado por uma boa pesquisa de mercado e seu intuito é exclusivamente financeiro. O artístico pode ou não trazer retorno financeiro, mas nunca é seu objetivo. Então, pressupõe-se que exista outro objetivo.

Num primeiro olhar, Dente Canino não possui um objetivo que o justifique. Casal mantém seus três filhos adultos, um homem e duas mulheres, presos em casa para preservar suas inocências evitando qualquer contato com o mundo exterior.

É necessário um pouco mais de reflexão para captarmos a intenção do cineasta grego Giorgos Lanthimos (em grego Yorgos). Ele discute violência, submissão e cultura com um experimento filmado. O diretor nos faz de voyeur da experimentação do casal com os filhos, e nos pergunta qual tipo de educação pode ser considerada acertada?

Obviamente não devemos esperar respostas objetivas. A película foi eleita melhor filme da mostra A Certain Regard (Um certo olhar) de Cannes em 2009, e é o filme de estréia do cineasta. O título original, canino, é base da regra que o pai colocou aos filhos, só sair de casa quando o dente canino cair e nascer outro em seu lugar.

Acredito que um não sobreviva sem o outro. É necessário, tanto quanto prudente, termos o olhar para o cinema comercial como para o de autor. Os multiplexes foram invenções para agraciar isso. Enquanto numa sala para 300 pessoas passa Homem de Ferro 2, a do lado para 50 exibe Dente Canino. O problema é que na de 50 os exibidores preferem colocar o primeiro Homem de Ferro para ganhar mais um pouquinho.

magnólia facts

2010-05-12T10:09:00.001-03:00

“Se fosse num filme, eu não acreditaria”.

Conforme relatado no G1 e na Reuters, um Aribus caiu na Líbia com 104 a bordo; só criança sobrevive. Segundo a notícia, um menino holandês seria o único sobrevivente de um acidente aéreo ocorrido hoje, quarta-feira, dia 12 de maio de 2010.

Acidentes envolvendo avião são sempre chocante e, obviamente, não quero fazer disso piada. Há um certo alívio pelo sobrevivente.

O que chama a atenção é que o “plot” da notícia é o mesmo do filme Corpo Fechado (2000) do cineasta indiano radicado nos EUA, M. Night Shyamalan. Na película, o segurança David Dunn (Bruce Willis) é o único sobrevivente de um acidente de trem.

O Preço da Traição

2010-05-11T11:49:00.000-03:00

Chloe – Atom Egoyan – 2009 (Cinemas)

Dificilmente comento sobre as escolhas técnicas do cineasta aqui no blog porque acho muita prepotência, e ou inveja, um amador falar de um profissional. Porém é impossível comentar sobre Chloe sem alfinetar o diretor egípcio Atom Egoyan. Com um ótimo roteiro em mãos, refilmagem do francês recém-lançado aqui Nathalie (2003), uma atriz do quilate de Julianne Moore, que de quebra ainda está linda, e um ator profissional como Liam Neeson – foi durante as filmagens que sua esposa Natascha Richardson morreu, e ele voltou ao trabalho apenas alguns dias depois – Atom conseguiu estragar tudo. Isso sem falar na premissa de uma cena quente de Julianne e a jovem Amanda Seyfried, que interpreta a prostituta Chloe contratada pela ginecologista Catherine (Moore) para seduzir seu marido, David (Neeson), porque desconfia que ele lhe é infiel constantemente.

Egoyan opta por transformar a película num suspense bobo e frio ao contrário do original que prima pelo suspense gradativo e provocativo, e isso demonstra sua intenção em ser uma espécie de diretor-padrão para os estúdios hollywoodianos, desde que foi importado pela indústria norte-americana. O diretor acha que colocar sua marca é encher as cenas de espelhos.

A mania dos estadunidenses em transformar os filmes de outros países em sucessos próprios é uma idéia absurda e desnecessária de monopolizar o cinema. Sabemos que não se trata de falta de criatividade, as séries de TV estão dando show, está na hora de começarmos, nós mesmos cinéfilos, a limpar a mediocridade (de mediano) que nos trazem.

Twenty Century Fox

2010-05-05T15:55:00.005-03:00

Esse mês de maio marca o 75° aniversário da famosa 20th Century Fox. Para comemorar, o marketing da companhia criou alguns cartazes com o famoso logo de holofotes de luzes evidenciando alguns filmes de sucessos dos últimos 75 anos. Abaixo selecionamos 5 deles:

O Filho da Noiva

2010-04-28T16:57:00.001-03:00

El Hijo de la Novia – Juan José Campanella – 2001 (DVD)

Rafael Belvedere (Ricardo Darín) é dono de um restaurante em Buenos Aires que herdou dos pais. Estressado com os problemas do dia-a-dia, com a ex-esposa que regula seu horário de ver a filha, e com a atual namorada, Rafael recebe o pedido do pai, Nino (Héctor Alterio), para casar-se com sua mãe, Norma (Norma Aleandro) que sofre com o mal de alzheimer.

Depois de assistir O Segredo do seus Olhos (2009), fui tomado por uma vontade de rever os dois outros famosos filmes do cineasta Juan José Campanella, e tive agradáveis surpresas. O Filho da Noiva é um filme que parece ser dirigido pelo excepcional Roberto Begnini, história de amor carregada de humor, leve mais marcante.

Campanella, que faz uma ponta interpretando o médico que socorre Rafael, é o nome mais em evidência do cinema argentino, não só pelo prêmio da academia esse ano, mas por suas duas películas anteriores. O cineasta escalou Ángel Illarramendi como compositor da trilha sonora, que é um dos destaques do filme, isso sem falar na atuação do trio principal, Darín, Aleandro e Alterio, principalmente Norma que merecia muito mais holofote do que recebeu.

Segue abaixo uma receita de um tiramisu (especialidade do Sr. Nino Belvedere), obviamente usando o melhor mascarpone que existe.

INGREDIENTES:
500g de queijo mascarpone; 250ml de café sem açúcar; 125g de açúcar; 4 gemas; 2 claras, 1cx de biscoito champagne e ½ dose de rum.

PREPARO:
Bater as gemas com o açúcar na batedeira até obter um creme esbranquiçado. Em outra vasilha bata as claras em neve. Misture o mascarpone com o creme das gemas e açúcar. Por último, adicione as claras em neve e incorpore levemente com ajuda do batedor. Misture o café com o rum. Molhe os biscoitos nessa mistura e coloque numa vasilha. Cubra com uma camada de aproximadamente 2cm de creme de mascarpone. Repita a operação e finalize com o creme. Leve para gelar e na hora de servir polvilhe cacau em pó peneirado.

Ah, antes que me perguntem não faço a menor idéia de quem é Dick Watson, mas se você ficar assistindo ao filme após os créditos finais você poderá saber quem é.

magnólia facts

2010-04-22T16:35:00.001-03:00

“Se fosse num filme, eu não acreditaria”. Eis a frase de Paul Thomas Anderson na obra-prima magnólia. Dia após dia ela torna-se cada vez mais clichê. Com essa intenção, inauguro hoje uma nova sessão no blog chamada magnólia facts. Aqui buscaremos notícias, ou as notícias buscarão filmes onde possamos traçar um paralelo da vida real à sétima arte.

Para começar uma notícia quentíssima, de Salvador, publicada no jornal Correio da Bahia de 22 de abril de 2010. Chicleteiro e líder do tráfico no Calabar é preso na Micareta de Feira. A informação diz que o traficante foi preso pela polícia no carnaval fora de época de Feira de Santana, cidade vizinha a Salvador. Chama atenção a frase do preso “Estava lá de boa quando teve uma confusão perto de mim e os policiais fizeram a batida. Fui ver o chiclete e dancei”.

No filme O Segredo dos Seus Olhos (2009), Sandoval, o ajudante do oficial de justiça Benjamím, diz a seguinte frase: “As pessoas podem mudar tudo: de cara, de casa, de família, namorada, religião, de Deus. Mas há uma coisa que não se pode mudar. Não se pode trocar de paixão”. Sandoval fala isso porque acha que o estuprador que procuram é apaixonado pelo Racing, time de futebol argentino, e para capturar o assassino eles devem procurá-lo no estádio, no jogo do time.

Seleção Oficial Cannes 2010

2010-04-15T11:23:00.006-03:00

Another Year, de Mike Leigh (Reino Unido) – Drama do famoso cineasta inglês com o parceiro Jim Broadbent;

Biutiful, de Alejandro Gonzalez Inarritu (Espanha/ México) – Drama psicológico com Javier Bardem;

Burnt by the Sun 2, de Nikita Mikhalkov (Alemanha/ França/ Rússia) – Filme do ator e diretor russo Nikita Mikhalkov;

Certified Copy, de Abbas Kiarostami (França/ Itália/ Irã) – Drama com Juliette Binoche;

Fair Game, de Doug Liman (EUA) – Thriller com Sean Penn e Naomi Watts sobre ex-agente da CIA;

Hors-la-loi, de Rachid Bouchareb (França/ Bélgica/ Argéria) – Drama de guerra argeriense;

The Housemaid, de Im Sang-soo (Coréia do Sul) – Thriller dramático e psicológico sul-coreano;

La nostra vita, de Daniele Luchetti (Itália/ França) – Comédia italiana com Raoul Bova, de Baaria;

La Princesse de Montpensier, de Bertrand Tavernier (França) – Filme de época com Lambert Wilson;

Of Gods and Men, de Xavier Beauvois (França) – Lambert Wilson novamente, dessa vez num filme de guerra;

Outrage, de Takeshi Kitano (Japão) – Policial japonês do queridinho de Cannes, Takeshi Kitano;

Poetry, de Lee Chang-dong (Coréia do Sul) – Drama sul-coreano que fala sobre a doença de Alzheimer;

A Screaming Man, de Mahamat-Saleh Haroun (França/ Bélgica/ Chade) – Drama belga;

Tournee, de Mathieu Amalric (França) – Comédia dirigida pelo excelente ator francês de O Escafandro e a Borboleta;

Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives, de Apichatpong Weerasethakul (Espanha/ Tailândia/ Alemanha/ Reino Unido/ França) – Filme tailandês;

You, My Joy, de Sergey Loznitsa (Ucrânia/ Alemanha) – Filme ucraniano.

Propaganda: Burger King

2010-04-12T16:07:00.005-03:00

Para divulgar os novos horários de abertura das lojas da rede norte-america de fast-food Burger King, a agência de publicidade Tonic homenageou os grandes vilões dos filmes de terror hollywoodiano, Jason Voorhees (Sexta-feira 13), Freddy Krueger (A Hora do Pesadelo), Chucky (Brinquedo Assassino) e Ghostface (Pânico).

O Segredo de Seus Olhos

2010-04-08T11:06:00.002-03:00

El Secreto de sus Ojos – Juan José Campanella – 2009 (Cinemas)

T E M O

Os olhos falam. Os olhos falam demais, melhor que se calem. Às vezes é melhor não olhar.

Baseado no livro La Pregunta de Sus Ojos de Eduardo Sacheri, a película peca um pouco no roteiro e direção, com algumas falhas gritantes que comentarei abaixo para quem viu, mesmo assim consegue ser um excelente filme, prender nossa atenção do inicio ao fim e ser um exemplo de história bem contada.

Juan José Campanella, diretor, produtor e editor da película, flerta novamente com o noir, como já havia feito no filme exportação Conspiração Sedutora (1997) com Aitana Sanchez Gijon, Denis Leary e Terence Stamp. Dessa vez ele situa o filme na sua Argentina, talvez o país que mais curta o gênero/movimento depois dos franceses. Campanella é o cineasta de mais sucesso entre nossos hermanos atualmente. O Filho da Noiva (2001) e Clube da Lua (2004) criaram bastante burburinho por aqui. O Segredo de Seus Olhos é a maior bilheteria da história do cinema argentino.

As pessoas podem mudar tudo: de cara, de casa, de família, namorada, religião, de Deus. Mas há uma coisa que não se pode mudar. Não se pode trocar de paixão.

Benjamín Espósito (Ricardo Darín – colaborador de longa data do cineasta) acaba de se aposentar como oficial de justiça e deseja escrever um romance. Para isso, ele retoma um caso de estupro que investigou há 25 anos juntamente com seu colega Sandoval (Guillermo Francella) e a juíza Irene Menéndez Hastings (a atriz e cantora portenha Soledad Villamil).

A trilha sonora merece destaque, muito bem feita pelos argentinos Federico Jusid e Emilio Kauderer. Agora vamos as falhas.

A primeira falha gritante é obviamente a ótima cena do plano sequência. É impossível encontrar alguém por foto no meio de um estádio entupido de gente, pode até ser feito, com uma fila após o jogo, porém nunca como foi mostrado. O outro erro é a direção pesada do cineasta para mostrar o romance dos protagonistas. Na primeira tomada já observa que existe um interesse entre os dois, o que só deveria ser percebido mais a frente, um pena, pois poderia criar uma história de amor ainda muito mais bonita.

Cena de Cinema

2010-04-07T15:53:00.002-03:00

O Segredo de seus Olhos (El Secreto de sus Ojos – Juan José Campanella – 2009 –Cinemas)

O plano aberto mostra ao longe o estádio de futebol lotado com os refletores ligados. A trilha é de orquestra com coro ritmado. O locutor passa em sua voz a euforia do momento que parece contagiar a todos. O plano chega cada vez mais perto do estádio. O verde límpido do gramado já pode ser visto, quase que sentimos seu cheiro. Descobrimos que o jogo já começou. O plano agora mostra os jogadores de cima, são quase bonecos de videogame. O plano tende a se centralizar no campo. Na trave! A bola some. O plano passa o gramado e invade as arquibancadas do estádio lotado. Muitas mãos. O plano passa a focalizar nosso protagonista, Espósito, meio deslocado no meio da multidão. O plano dá um giro de 90° para mostrar seu amigo e colega Sandoval por entre os torcedores, com uma foto na mão e procurando um rosto na multidão. Parece que acharam uma agulha no palheiro, quase que literalmente. O plano segue, parece ter adotado a visão deles que procuram uma pessoa no meio de milhões. Alarme falso. O plano também se decepciona, e se distraí. Deixa eles irem pelo povo e fica parado em frente a um torcedor. Opa, eles estão voltando, viram algo, mas como? Estão olhando pra nós. Não, não, é para o sujeito que está no primeiro plano. É ele, é ele, é ele. É gol, é gol, é gol! O plano treme, o estádio treme. E o suspeito foge. Corre atrás dele. O plano corre. Steadycam! Escadas, muros, labirinto de concreto. Perdemos. Plano descansa. Opa. Algo aconteceu lá em cima. Steadycam! Sobe as escadas, entra no banheiro. Porta 1, nada, porta 2 nada, porta 3, porta 3, o suspeito. Bum! Pegamos! Que nada. Pelo menos agora o plano pegou ele. Deixa eles para trás, vamos correr atrás do suspeito. Steadycam! É acho que não tem como escapar, vamos olhar em vez de correr atrás. Ele vai saltar um muro grande, vamos acompanhá-lo de perto. Machucou o pé, mas ele não desiste. Vai entrar no campo. Não acredito, em pleno jogo. Steadycam! Entra junto. Vaias do estádio inteiro. Tropeço no jogador. E tem um corpo estendido no chão! Plano-sequência também se estende, parece cansado. Fim.

Veja aqui os bastidores dessa cena e veja como tudo foi feito.

Direito de Amar

2010-04-05T16:09:00.001-03:00

A Single Man – Tom Ford – 2009 (Cinemas)

Lista do que esperar de um filme feito pelo renomado estilista norte-americano Tom Ford:
- Figurino impecável
- Beleza estética
- Foco no homossexualismo sem estereotipar
- Foco no homossexualismo sem levantar bandeiras

Uma das melhores direções de fotografia do ano. Uma aula de fotografia cinematográfica feita pelo espanhol Eduard Grau. A Single Man é impecável nos quesitos técnicos, incluindo ai figurinos e direção de arte e cenários numa perfeita reconstituição de época.

Baseado no livro do autor britânico Christopher Isherwood e adaptado para o cinema por David Scearce e pelo próprio Tom Ford, que ainda dirige, produz e bancou do próprio bolso os custos da produção, o filme relata um período da vida do professor universitário George Falconer (Colin Firth) quando recebe a noticia da morte do companheiro Jim (o excelente Matthew Goode) e busca apoio com a amiga Charley (Julianne Moore – sempre ótima), entre flashbacks e mudanças de cronologia, muito bem feitas.

Firth possui aquela atuação impecável, de premiação garantida. Gostaria muito de saber onde andam as pessoas que elogiaram a escolha de Sean Penn em detrimento a Mickey Rourke, porque elas se calaram diante da injustiça ao inglês. Seria então preconceito a Rourke.

Tom Ford surpreende por trás da câmera, seu domínio, sutileza e ângulos demonstram que é um diretor pronto.

Um Sonho Possível

2010-03-31T14:54:00.003-03:00

The Blind Side – John Lee Hancock – 2009 (Cinemas)

A diferença entre coragem e honra. 1ª parte. Ao vale da morte foram os 600. Eles chamam o estádio de vale da morte por causa dessa história. Alfred Lord Tennyson escreveu. É um poema. Avança a brigada ligeira. Isso é um ataque. Procure as armas. É o final dele. Para o vale da morte foram os 600. Avança a brigada ligeira. Algum homem resistiu? Nenhum, mesmo sabendo que era errado, ele apenas seguiam seu comandante, seu líder, seu treinador.

Existem pessoas na vida que nascem para ajudar os outros.

Baseado no livro de Michael Lewis sobre a vida da decoradora norte-americana Leigh Anne Roberts Tuohy casada com o empresário Sean, dono de mais 80 franquias de restaurantes fast-food, e sobre a adoção do casal do agora jogador da NFL, Michael Oher.

Sandra Bullock está realmente maravilhosa no papel da decoradora, o loiro lhe caiu bem, assim como a personagem. Porém o grande mérito do filme é a quase fábula da vida de Oher (Quinton Aaron), um garoto pobre, filho de mãe viciada em crack, com baixo QI, que foi adotado aos 18 anos e se transformou num astro da liga norte-americana do futebol deles.

The Charge Of The Light Brigade
by Alfred, Lord Tennyson
Memorializing Events in the Battle of Balaclava, October 25, 1854
Written 1854

Half a league half a league,
Half a league onward,
All in the valley of Death
Rode the six hundred:
'Forward, the Light Brigade!
Charge for the guns' he said:
Into the valley of Death
Rode the six hundred.

'Forward, the Light Brigade!'
Was there a man dismay'd ?
Not tho' the soldier knew
Some one had blunder'd:
Theirs not to make reply,
Theirs not to reason why,
Theirs but to do & die,
Into the valley of Death
Rode the six hundred.

Cannon to right of them,
Cannon to left of them,
Cannon in front of them
Volley'd & thunder'd;
Storm'd at with shot and shell,
Boldly they rode and well,
Into the jaws of Death,
Into the mouth of Hell
Rode the six hundred.

Flash'd all their sabres bare,
Flash'd as they turn'd in air
Sabring the gunners there,
Charging an army while
All the world wonder'd:
Plunged in the battery-smoke
Right thro' the line they broke;
Cossack & Russian
Reel'd from the sabre-stroke,
Shatter'd & sunder'd.
Then they rode back, but not
Not the six hundred.

Cannon to right of them,
Cannon to left of them,
Cannon behind them
Volley'd and thunder'd;
Storm'd at with shot and shell,
While horse & hero fell,
They that had fought so well
Came thro' the jaws of Death,
Back from the mouth of Hell,
All that was left of them,
Left of six hundred.

When can their glory fade?
O the wild charge they made!
All the world wonder'd.
Honour the charge they made!
Honour the Light Brigade,
Noble six hundred!

A Ilha do Medo

2010-03-30T11:06:00.002-03:00

Shutter Island – Martin Scorsese – 2010 (Cinemas)

Uma homenagem de Martin Scorsese ao cinema de Alfred Hitchcock, assim pode ser definido Shutter Island, uma compilação entre alguns do mais famosos suspenses do mestre britânico, e Cabo do Medo (1991), o mais próximo que Scorsa havia chegado do gênero.

É também necessário falar do livro de Dennis Lehane, autor de Sobre Meninos e Lobos (2003). Apesar de um pouco batida, sua obra é bem detalhada.

Mais uma parceria com Leonardo DiCaprio, Shutter Island narra a investigação de dois detetives, Teddy Daniels (Leo) e Chuck (Mark Ruffalo), na misteriosa ilha que serve de base para um hospital psiquiátrico chefiado pelo Dr. Cawley (Ben Kingsley) e Dr. Naehring (Max von Sydow) para descobrir a verdade sobre o sumiço de uma interna, Rachel Solano.

O elenco ajuda, ainda temos Emily Mortimer, a ótima Patricia Clarkson, Jackei Earle Haley e Elias Koteas, o livro é bom, a direção é reconhecida e tarimbada, mas o grau de expectativa é maior que o resultado final.

Cannes 2010

2010-03-29T14:50:00.002-03:00

Cannes divulgou hoje o cartaz do seu 63º festival, trazendo a atriz Juliette Binoche imitando Pablo Picasso na famosa foto. A fotografia é da artista francesa Brigitte Lacombe. Mais uma vez o pessoal cria um pôster fantástico, como já vinha sendo no ano passado, com a famosa foto de homenagem a Michelangelo Antonioni, e em 2008 com o cartaz criado por David Lynch. Esse ano o jurí será presidido por Tim Burton e a película de abertura será Robin Hood de Ridley Scott. Aguardaremos agora a seleção de filmes, que se vier um pouquinho só parecida com a do ano passado será maravilhosa.

Simplesmente Complicado

2010-03-20T23:57:00.002-03:00

It’s Complicated – Nancy Meyers – 2009 (Cinemas)

A cineasta norte-americana que não ganhou o Oscar, mas é mais talentosa do que quem está com a estatueta, Nancy Meyers, chegou ao alvo de sua carreira, penso eu. Tratando de romance-comédia-leve com pessoas de 50 a 60 anos, e sem se levar a sério, ela é mestra. Foi assim com Alguém tem que Ceder (2003) e repete agora com sua nova película que reúne um elenco que já vale o ingresso, Meryl Streep, Alec Baldwin e Steve Martin.

Se em Alguém tem que Ceder (2003) ela deixava o filme nas mãos seguras de Jack, afinal ela não é boba, aqui ela escolhe Meryl Streep, a Jack Nicholson de saias como alguém já disse, para capitanear sua obra. Porém, colocou do lado da rainha norte-americana dois pesos-pesados (sem trocadilhos com Alec, por favor).

Mas é justamente o mais pesado dos dois que rouba o filme, Alec Baldwin vive a melhor fase de sua carreira de altos e baixos. É um ator carismático, que se entrega e dá vida a personagem. Os momentos mais engraçados de Simplesmente Complicado tem sua gorda (foi sem querer) participação.

A divorciada Jane (Streep) ainda tenta se recuperar da separação de seu ex, Jake (Baldwin) que a trocou por uma linda mulher mais jovem, Agness (Lake Bell), enquanto conhece o arquiteto também divorciado Adam (Martin).

Cenas de um Casamento

2010-03-17T10:12:00.003-03:00

Scener ur ett Äktenskap – Ingmar Bergman – 1973 (DVD)

CENA 1. INTERNA. RESIDÊNCIA/ENTREVISTA
Após as fotos do casal com as duas filhas, e do casal a sós, começa uma entrevista sobre a relação deles, como vocês se descreveriam, pergunta a repórter. O marido não mede nas palavras, inteligente, jovial, sexy e bem-sucedido, raciocínio de alcance global, educado e sociável, amigo, esportivo, bom pai, bom filho e um amante fantástico. A esposa fica sem graça, diz que está feliz, não é auto-confiante como Johan, o marido, mas tem 10 anos de casada e duas filhas. Ela tem um corpo lindo, diz Johan. Ele tem 42 anos, ela 35, são burgueses, Johan é professor de psicotecnologia, Marianne é advogada.

CENA 2. INTERNA. RESIDÊNCIA DO CASAL. CLOSE NO LUSTRE DE CRISTAIS E ENVOLTO DE CASTIÇAIS.
Johan e Marianne estão na mesa de jantar com outro casal amigo, a conversa é animada e estão na sobremesa do que parece ter sido um bom jantar. Johan lê a matéria da entrevista que foi publicada numa revista. Parecem ser íntimos dos amigos. O casal convidado começa a dar indiretas um ao outro, ao que parece uma brincadeira, mas há algo de errado na relação deles, deixando os anfitriões numa saia justa. Vamos tomar um café na sala de estar, interrompe Johan. Porém a situação continua a mesma, o divórcio parece inevitável, e o agradável jantar se torna um pesadelo quando a convidada joga bebida no rosto do marido após agressões verbais.

Originalmente produzido como uma série de TV de 6 episódios: Inocência e Pânico; A Arte de encobrir; Paula; Vale das Lágrimas; Analfabetismo, e No meio da noite numa casa escura em algum lugar do mundo, foi um enorme sucesso na Suécia. E segundo Ingmar Bergman aumentou substancialmente a taxa de divorcio no país e dobrou a procura de casais por conselheiros matrimoniais. Analfabetismo, para o cineasta significa que nunca fomos ensinados a amar, por isso somos analfabetos emocionais.

Liv Ullmann, no auge da beleza loira e alva, se recusou a aceitar a oferta de Bergman de ter participação no lucro do filme, quis um salário ao contrário do resto do elenco. O estrondoso sucesso da película fez Ullmann reconhecer depois que esse é um dos fatos que mais se arrepende na vida.

Cenas de um Casamento possui a atmosfera de uma peça teatral com tomadas longas, muitos closes e cores que demonstram sentimentos. Os atores ajudaram na criação das personagens e no desenvolvimento deles, muito das cenas longas era feita no intuito de propor ao ator ir mais fundo na psicologia da personagem. Liv Ullmann, sensacional, interpreta a retraída Marianne e Erland Josephson, muito bom, no papel do boçal Johan.

Comentários Oscar 2010

2010-03-09T11:25:00.001-03:00

Venceu a melhor. Obviamente que não, até porque isso não é o Oscar, a melhor festa do cinema mundial.

O que me incomoda no prêmio é esse tom que alguns críticos querem dar. Venceu, é o melhor filme do ano. Me incomoda também o esquecimento de quem foi o melhor.

O Oscar criou uma identificação, um selo, uma marca. Quando pegamos um filme que vem com a famosa escrita “vencedor do Oscar de Melhor Filme”, já sabemos o que esperar dele. Será um Shakespeare Apaixonado (1998), será um Senhor dos Anéis (2003), será um Crash (2006). Será um Guerra ao Terror. Porém não será um Sangue Negro (2007), não será um Laranja Mecânica (1971), e não será um Bastardos Inglórios (2009).

Invariavelmente o prêmio não é concedido ao melhor filme do ano, ele é dado por reparação, ou vocês acham Os Infiltrados (2006) o melhor do Scorsese? Ele é dado para tentar conquistar adolescentes, O Senhor dos Anéis (2003), ou ele é dado para uma mulher, que em 82 anos de festa nunca receberam nada.

Ao contrário da festa do ano passado, não gostei desse ano, me deu sono, só acordei quando deram o melhor filme estrangeiro ao argentino. Os apresentadores foram ótimos, mas faltou dinâmica a festa. Gostei da homenagem a John Hugues, e foi imperdoável o esquecimento de Farraw Fawcet no in memoriam.

Oscar 2010

2010-03-07T00:32:00.002-03:00

And the Oscar goes to...

Esse é o ano do Oscar. Temos 10 filmes indicados, poucas pessoas sabem de todos, mas todos sabem quem é o favorito. Sem essa de Guerra ao Terror, o filme marketing do milênio que prova o poder de uma campanha bem feita. A indústria cinematográfica começa a entender e ser como a indústria fonográfica, infelizmente. Mas esse ano temos o Sr. Oscar James Cameron, um cara que nasceu pro prêmio. Sabe como fazer um filme para agradar bilhões, e sabe criar o esquema certo para faturar. Avatar é a barbada do ano. Um ano estranho, mas que tem no filme dos azuis, a cara da estatueta.

Guerra ao Terror é a piada interna do ano. Imagino o quanto duas ou três pessoas estão rindo de nós. Preciosa é o independente do ano. Ganha a simpatia dos que torcem pelos menos privilegiados, e é o melhor exemplar nessa categoria no Oscar. Amor sem Escalas é o clássico norte-americano de 2010, mais idiotizado e simples, mas faz sua parte. Por último temos o filme que de cada 10 pessoas, as 10 sabem que é o melhor do ano, Bastardos Inglórios. Ai, você me pergunta, ué, e porque ele não vence? Porque isso é a academia, e isso não tem como negar. Não é o melhor o que importa, é a festa.

Me desculpem os outros 5 indicados, mas se estamos sendo sinceros esse ano, caiam na real, vocês não disputam nada. Falando em sinceridade, 2010 também vem mostrar que as canções estão sendo despejadas da festa. Me deixa muito feliz a indicação do melhor filme do ano, e mais ainda seu favoritismo nas duas categorias indicadas.

The White Ribbon.

8½

2010-03-04T16:34:00.003-03:00

8½ – Federico Fellini – 1963 (DVD)

Diz à lenda que, quando Diomedes (o cantor) morreu, todos pássaros se reuniram e cantaram um coro fúnebre que o acompanhou até a sepultura.

ASA NISI MASA

Desafio alguém a achar uma crítica negativa do filme por ai. 8½ é unanimidade, é idolatrado por muitos críticos e amado por uma geração cinéfila, mas o filme não é isso tudo. É bom, obviamente, mas ta longe de ser unânime, e muito distante de ser a melhor obra do cineasta.

EXTRA ECCLESIAM NULLA SALUS
Fora da Igreja não Há Salvação

Nasceu de uma crise criativa e poderia dizer até existencial de Fellini. Foi homenageado por diversos cineastas. Virou um musical da Broadway que o elevou a um altar onde não era para estar. É sim um exemplo de fotografia, de Gianni Di Venanzo, e trilha sonora, Nino Rota. Porém é arrastado e se apóia mais na forma do que no conteúdo, mesmo assim é um Fellini e está repleto de referencial para cinéfilos, como por exemplo o andar de Guido no hotel, virando o pé direito enquanto caminha, ou seu óculos que virou moda instantaneamente.EXTRA ECCLESIAM NEMO SALVATUR
Fora da Igreja ninguém se salva

O filme é uma biografia de um dos mais importantes cineastas da humanidade. Está tudo lá, sua infância dolorosa, a igreja julgadora e repressora, e as mulheres-atrizes-amantes de sua vida, especialmente a esposa Giulietta Masina, interpretada pela francesa Anouk Aimée.

SALUS EXTRA ECCLESIAM NOM EST
Não há salvação fora da Igreja

O título se refere ao número de produções realizadas até então por Federico Fellini. Sete filmes entre longas-metragens e curtas, e um dirigido pela metade com Alberto Lattuada, o meio.

A felicidade consiste em poder dizer a verdade sem nunca fazer ninguém sofrer.

Noite Branca

2010-02-25T14:55:00.003-03:00

Nuit Blanche from Spy Films on Vimeo.

Noite Branca é um curta-metragem de Arev Manoukian, vencedor do prêmio principal do LG Film Fest Contest. Impressiona a fotografia, a trilha sonora, a edição e os efeitos, mas o roteiro é o grande espetáculo. Não é do perfil do blog postar curtas assim, mas esse merece o destaque.

Educação

2010-02-24T11:47:00.002-03:00

An Education – Lone Scherfig – 2009 (Cinemas)

Se existe uma mulher que merecia uma indicação ao Oscar, ela chama-se Lone Scherfig.

Dinamarquesa de Copenhagem, Lone foi à única mulher do movimento liderado por Lars Von Trier, Dogma 95, com seu début cinematográfico e ótimo Italiano para Principiantes (2000).

Quando somos adolescentes nosso principal desejo é participar do círculo dos adultos de festas, viagens, namoros e bebidas. No começo dos anos 60, no frio e conservador subúrbio londrino, o sonho disso tudo se resumia a uma palavra, Paris. Para Jenny (a excelente Carey Mulligan), a cidade francesa é muito mais que isso, é uma idéologie, congregada na língua, na música, no cinema e no estilo de vida.

Seus pais (interpretados pelos ótimos Olivia Williams e Alfred Molina) são obcecados por educação, daí o título do filme. Apesar de terem educado a filha de uma maneira correta, a principal inquiétude deles agora é com a sua vida adulta, e a escolha entre ser uma profissional e ingressar numa renomada universidade, ou uma esposa dedicada.

É nessa duvida que entra o adorável, simpático e buon vivant David (Peter Sarsgaard), um jovem rico que conquista a adolescente com o mundo que ela sonhou, e os pais dela unindo as duas escolhas que os deixam receosos.

O mérito da cineasta é evidente, além das interpretações serem maravilhosas – Mulligan tem 22 anos e interpreta uma menina de 16 com fidelidade –, as imagens de época e as escolhas das tomadas remetem a nouvelle vague, numa clara homenagem ao movimento francês, isso sem perder o foco no roteiro e principalmente no mistério que ronda a personagem de Sarsgaard.

Preciosa

2010-02-22T15:12:00.001-03:00

Precious – Lee Daniels – 2009 (Cinemas)

TUDO É UM PRESENTE DO UNIVERSO
Ken Keyes Jr.

É fácil simpatizar com Claireece Precious Jones (Gabourey Sidibe – soberba). Apesar das agruras que passa, é uma sonhadora. Estuprada freqüentemente pelo pai, ela é mãe de uma criança com deficiência e está grávida de outra menina. Sua mãe louca (Mo’Nique – show) a maltrata por julgá-la culpada das aberrações que sofre, além disso tudo, ela ainda sofre com a obesidade.

Mesmo com um tema pesado, Lee Daniels consegue transformar o livro num filme sem melodramas, uma ressalva é a síndrome-da-música-dos-créditos-finais que o diretor parece sofrer no inicio, “♪ levou muito tempo para ver acontecer. Levou muito tempo andando em círculos. ♪”, Preciosa não recorre ao sensacionalismo barato das minorias para contar a sua já trágica história. Em nenhum momento a protagonista, por ser negra e gorda, se sente melhor ou pior que os outros. Sente-se pior sim por seu abuso familiar.

Segunda película de Daniels e segunda parceria com a atriz Mo’Nique, antes haviam feito o policial Matadores de Aluguel (2005). Preciosa é produzido por Oprah Winfrey e recheado de participações especiais como as dos cantores Mariah Carey e Lenny Kravitz, e a da própria autora do livro em que se baseia.

Cena de Cinema: A Fita Branca

2010-02-20T19:38:00.001-03:00

A Fita Branca (Das Weisse Band – Michael Haneke – 2009 – Cinemas)

Alguns cineastas precisam de um verdadeiro aparato tecnológico – trilha sonora, fotografia, maquiagem – para criar um clima de suspense. Outros, como Alfred Hitchocock, precisavam simplesmente usar nossa imaginação. A imaginação do ser humano é poderosa, ela ultrapassa as barreiras da realidade, Michael Haneke sabe disso, talvez por sua formação em psicologia, para o cineasta alemão uma porta fechada pode conter uma imagem de violência forte e pesada.

A mãe e mulher do pastor corta e enrola dois pedaços de fita branca. Parece enxugar uma lágrima. Primeiro chama Klara no andar superior e depois abre uma porta para chamar Martin, seus dois filhos mais velhos. Eles já sabem do que se trata, cabisbaixos acompanham a mãe até o fim do corredor e entram na porta em frente. A câmera de Haneke fica imóvel no começo do corredor, sua marca registrada, mostrando a porta fechada.

Passam 10 segundos de um silêncio absoluto e ela se abre. Martin sai e entra em outro cômodo da casa, a câmera o acompanha. Ele sai de lá segurando algo. A câmera se posiciona no seu lugar novamente, imóvel, e vê-se que o adolescente carrega uma vara. Ele entra novamente na porta do fim do corredor e fecha. Mais 26 segundos, mas dessa vez o silêncio absoluto é quebrado pelo som da vara batendo em algo e os gritos de dor de lá emanados.

Diálogos: A Fita Branca

2010-02-19T17:47:00.002-03:00

Essa é uma outra cena crucial do filme, a facilidade de Michael Haneke em escrever diálogos tão pesados, mas tão verdadeiros, impressiona. Talvez seja um dos momentos mais importantes porque virou capa do pôster do filme, belíssimo por sinal. O choro do adolescente pode até parecer comédia, mas o resultado, principalmente na vida adulta, não tem nada de engraçado.

Escrito por Michael Haneke – A Fita Branca – ALE (2009)

INT. ESCRITÓRIO DO PASTOR. DIA.

- ...sua mãe e eu ficamos muito preocupados com você. Pense bem. Você dormiu mal? Está muito cansado?
- Não
- Tem problemas na escola que eu não saiba?
- Não pai.
- Você não entende porque nos preocupamos. Vou lhe explicar. Como sabe, também sou o Pastor em Birkenbrunn. Um dia, uma mãe veio me ver, com um filho que tinha a mesma idade que você, e os mesmos sintomas que você vem mostrando ultimamente. O garoto, de repente, apareceu extremamente fatigado. Seus olhos tinham olheiras, estava deprimido e sem alegria. Ele evitava olhar seus pais nos olhos, e logo, ele também caiu doente. Isso continuou por meio ano. Então, tudo aconteceu muito depressa. Ele perdeu o apetite, não conseguia mais dormir, suas mãos começaram a tremer, sua memória começou a falhar, seu rosto se encheu de pústulas, e depois o corpo todo. Finalmente, ele morreu. O corpo, que eu havia abençoado, parecia o de um homem velho. Entende agora por que me preocupo? O que acha que causou aquelas mudanças que levaram o garoto a ter um fim tão miserável?
- Não sei.
- Acho que você sabe muito bem. Não vai me dizer? Não? Então vou lhe dar a resposta. O garoto tinha visto alguém, que danificou os mais delicados nervos do seu corpo, na área onde Deus levantou sagradas barreiras. O garoto repetia esse gesto. Ele não conseguia parar mais. No final, ele destruiu todos os seus nervos e morreu disso. Só quero ajudar você. Eu amo você com todo meu coração. Seja sincero, Martin. Porque ficou ruborizado ao ouvir a história do pobre garoto?
- Ruborizado? Não sei. Senti pena dele.
- Só isso? Acho que existe um outro motivo. Está escrito no seu rosto. Seja sincero, Martin! Por que está chorando? Devo poupa-lo de uma confissão? Você tem feito a mesma coisa que aquele pobre coitado?
- Sim.

A Fita Branca

2010-02-11T11:39:00.004-03:00

Das Weisse Band – Eine Deutsche Kindergeschichte – Michael Haneke – 2009 (nos melhores cinemas do país)

Acredito que o cinema possa mudar um pensamento. Acredito que o cinema é educação, ele tem esse viés, mas para acreditar nisso, preciso também acreditar que ele pode ser usado para o mau. Temos exemplos disso, Hitler o utilizava invariavelmente para seus objetivos.

Não sei se a história que quero contar a vocês é inteiramente verdadeira. Parte dela eu só conheço por ouvir falar. Depois de muitos anos, várias coisas permanecem obscuras, e muitas perguntas continuam sem respostas. Mas acho que devo contar os estranhos acontecimentos que sucederam em nossa aldeia. Quem sabe, eles poderiam esclarecer algumas coisas que ocorreram neste país. Acho que tudo começou com o acidente ocorrido com o médico. Depois de uma sessão de adestramento na propriedade do Barão, ele se dirigia para a casa para ver se alguns pacientes haviam chegado. Ao entrar no jardim, seu cavalo tropeçou em um arame estendido entre duas árvores. Sua filha viu o acidente da janela de casa.
Não gosto de sentenças afirmativas e imperativas, mas vou usá-la na minha certeza. Nunca um cineasta discutiu a violência como Michael Haneke. Talvez Stanley Kubrick tenha chegado perto num filme, Laranja Mecânica (1971), o fato é que os dois estão num patamar superior da sétima arte, eles são gênios.A Fita Branca – Uma História de Crianças Alemãs, do título original, foi filmado inteiramente em colorido e foi descolorido em computadores, assim como apagaram detalhes modernos e expressões que não faziam parte da época retratada. Foi imaginado como uma série de TV em três partes, e seu cineasta se recusa a esclarecer qualquer ponto da película, assim como David Lynch e Lars Von Trier, para desespero de alguns jornalistas.

Não entendo a sua indicação e provável premiação do Oscar. Não é o típico filme estrangeiro que a academia costuma premiar, mas isso evidencia minha tese sobre o prêmio. Ele é influenciado por poucos jornalistas que escrevem para a Variety, a bíblia norte-americana do cinema, o resto é rebanho.

O filme discute a violência e seus vários desdobramentos, como o medo, por exemplo. Fiz paralelo com os EUA e o medo do terrorismo. Uma cena bem romântica, e que foge um pouco do teor da película, mostra um casal enamorado numa charrete na estrada, ele desvia do caminho para fazer um piquenique em surpresa para ela, mas a surpresa para ela é negativa, ela se assusta e pede que ele volte. Ele volta, mas antes diz que nada tinha em mente de errado, ela acredita e lhe dá o primeiro beijo do casal, e único do filme. Haneke prova que a couraça do medo impede que as belas coisas da vida aflorem. Como já disse Charles Chaplin, "A vida é maravilhosa se não se tem medo dela".A fita branca era amarrada no cabelo ou no braço dos meninos. A cor branca era para lembrá-los sua inocência e pureza. Haneke utiliza o cinema como psicologia olhando nos olhos dos espectadores. Ele não lhe diz o que é certo ou errado, mas coloca-nos para pensarmos o que é certo ou errado, e utiliza a fita branca para lembrarmos que um dia fomos crianças e que tudo que somos hoje não é parte da nossa natureza, e sim de nossa educação.

Títulos que não Intimidam

2010-02-10T16:09:00.004-03:00

Existem filmes, poucos na verdade, que atraem pelo título. Geralmente ficam em nossa cabeça, atrai de uma forma inesperada. Alguns cineastas têm o dom para criar nomes de películas, Pedro Almodóvar, Os Irmãos Coen, Alfred Hitchcock. Outros até criam nomes espetaculares para suas produções, mas ai vem à distribuidora e adota outro, assassinando a obra do autor, caso de De Olhos Bem Fechados de Stanley Kubrick, que deveria ser chamado Olhos Escancaradamente Fechados.

Um título é quase uma obra. No inicio de sua carreira, o cineasta Paul Thomas Anderson brigou até o último momento com a produtora para nomear seu primeiro filme de Sydney, os executivos não queriam, pois alegavam que confundiriam com o Estado, claro que PTA perdeu a batalha e o filme foi batizado de Hard Eight, aqui se chamou Jogada de Risco, que já possui 353 filmes com esse nome.

Enfim, não estamos aqui para falar do lado negativo, viemos para mostrar os 10 melhores títulos originais de filmes, isso leva em conta o nome criado em sua língua original e traduzido literalmente para o nosso português. E aqui vai a lista:

1. Meu Irmão é Filho Único (2007) – ITA – Daniele Luchetti

2. Esse Obscuro Objeto do Desejo (1977) – FRA – Luis Buñuel

3. Perdoa-me por te Traíres (1980) – BRA – Braz Chediac

4. O Discreto Charme da Burguesia (1972) – FRA – Luis Buñuel

5. O Homem que não Estava Lá (2001) – EUA – Irmãos Coen

6. E La Nave Va (1983) – ITA – Federico Fellini

7. Laranja Mecânica (1971) – EUA – Stanley Kubrick

8. Mulheres a Beira de um Ataque de Nervos (1988) – ESP – Pedro Almodóvar

9. Singularidades de uma Rapariga Loura (2009) – POR – Manoel de Oliveira

10. O Homem que Sabia Demais (1934) – ING – Alfred Hitchcock

Ficaram de fora, mas receberam nomes originais de nossos tradutores, O Primeiro Ano do Resto de nossas Vidas (St. Elmos Fire) e Nunca te vi, Sempre te Amei (84 Charing Cross Road).

Menções dos comentários: Faça a Coisa Certa, A Insustentável Leveza do Ser (belissímo), A Última Tentação de Cristo.

* Crédito da foto que ilustra o post de Marty Hergert.

Guerra ao Terror

2010-02-04T15:57:00.001-03:00

The Hurt Locker – Kathryn Bigelow – 2008 (DVD)

O calor da batalha é um vício freqüente, potente e letal, na guerra é uma droga.
- Chris Hedges

Kathryn Bigelow comunga com Barack Obama da mesma opinião, eles são favoráveis ao envio de mais soldados para o Iraque. Acham que só assim teremos paz por aquelas bandas. O problema é que eles “esquecem” de que não há mais inimigos no país. O problema do Iraque agora é problema dos iraquianos. Mas esse não é o grande defeito de Guerra ao Terror, pelo contrário, esse é o único ponto positivo do longa, corretamente lançado apenas em DVD, porque ao colocar essa discussão, Bigelow mostra a opinião da maioria da nação norte-americana, discutir é bem vindo e oportuno.

Guerra ao Terror, a tradução é tão boa quanto o filme, não tem profundidade, se alimenta das cenas nervosas de desarmar bombas que, de tão repetitivas tornam-se clichês, alias o que a diretora foge o tempo todo, mas acaba se tornando presa de sua própria armadilha. A ex-esposa do trilionário James Cameron mostra logo de inicio seu horror com clichês. Ela escala atores famosos só para matá-los em seguida.

Inteiramente filmado na Jordânia, a produção foi impedida de gravar no Iraque pelo exército norte-americano, segundo James Cameron é o Platoon (1986) da Guerra do Iraque, é dele a idéia de colocar a ex-mulher para dirigir esse filme, portando Cameron é o grande nome do Oscar. Possui a maior quantidade de prêmios por um filme, Titanic (1997), e na edição atual, os dois filmes que mais possuem indicações, nove ao todo, são Guerra ao Terror e Avatar. Mr. Oscar James Cameron, nada mais apropriado para um prêmio tão comercial.

Guerra ao Terror foi cortado dos lançamentos comerciais do cinema de 2008/09 por não ter apelo comercial para distribuição. Foi lançado diretamente em DVD atrás dos aficionados por filmes de guerra. É uma produção que se não desembarcar-se aqui não sentiríamos falta nenhuma.